Oeil naïf & Regard averti

A new project

2009-03-01T17:35:00.006+01:00

A lire en écoutant : Bat For Lashes - Good Love

Cher lecteur,

je ne t'ai pas adressé de missive depuis quelques temps et pourtant... Pourtant, l'actualité de l'art contemporain est riche : de sa santé financière symbolisée par les ventes records de la collection YSL, à son goût pour la polémique soutenu par l'exposition "Our body", jusqu'à son inévitable exubérance kitsch portée par Mr LaChapelle.
Pourtant, mon oeil porte aujourd'hui son regard vers d'autres horizons et travaille avec acharnement et sans relâche à l'élaboration d'un magazine culturel, dont il te tiendra informé dès son lancement.

A toi de nous revoir...
Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Inédite intrusion dans la série

2009-01-25T17:04:00.019+01:00

A voir en écoutant : Komeda - A Simple Formality

Cher lecteur,

et voilà que ça augmente. Non, pas mon portefeuille-actions géré par Madoff (et pourtant, je comptais sur lui pour rattraper mes pertes Kerviel) ; non, pas le nombre de films de qualité distribués dans les salles U.*.C (bientôt mon abonnement échoit et je ne pourrai échapper à un Dany Boon) ; non, pas le nombre de publicités sur la télévision publique (Taddei avant 2 heures du matin, c'est bon pour ma productivité diurne). Non, je te parle du nombre d'enfants par Française : 2,1 !

Je dois t'avouer qu'en ces temps de crise, cela ne m'arrange pas du tout. Tous ces cadeaux à offrir pour les naissances de ces 2,1 : les petits Enzo, Lea, Lucas, Ines, sans compter le petit Jordan, 3 ans, qui fait ses premiers pas dans le basket. Aussi, je profite des soldes pour partir à la recherche d'un ballon faisant l'objet d'une deuxième démarque. Quel soulagement j'éprouve en pénétrant dans l'espace Claude Berri lorsque mon regard se porte sur le ballon de basket intégré dans l'installation de Stéphane Calais. Et quel ballon ! En effet, au sol, il porte une resplendissante plume d'indien. J'imagine déjà la joie du petit Jordan !

Rassuré quant à l'aboutissement de ma quête, je découvre le travail de Stéphane Calais sur la série. Pour son mur de sérigraphies sur papier "La Pléiade", l'artiste utilise la méthode de la reproduction qui vise à créer une multitude d'images identiques ; finalement, il la détourne en concevant une multitude d'images... uniques. Partant de huit portraits distincts, Stéphane Calais les superpose pour obtenir une forme inédite jusqu'à parvenir à saturation lorsque la totalité des portraits sont combinés.

Apparemment très éloignée de la série, l'installation reprend néanmoins le principe de la superposition. Ici, des éléments disparates du quotidien sont assemblés afin de parvenir à un syncrétisme. Les ballons de basket, les plumes, les macramés, issus de temps différents, sont tous sollicités par l'artiste donnant à voir un ensemble singulier dans lequel, pourtant, la confusion persiste.

Et si je m'emparais du ballon pour l'offrir au petit Jordan, l'installation conserverait-elle toujours le même sens ?

A toi de voir...
Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Stéphane Calais
"Ornements, crimes et délices"
Espace Claude Berri
du 24/01/09 au 28/03/09
4 passage Sainte Avoye
75003 Paris
www.espace-claudeberri.com

Coming opening
"La galerie a vingt ans (II) - Clair obscur"
Richard Müller, Benjamin Nachtwey, Claire-Lise Petitjean
vernissage le mardi 27 janvier, de 18h à 21h30
exposition du 27/01/09 au 03/03/2009
galerie La Ferronnerie
40 rue de la Folie-Mericourt 75011 Paris

Meilleurs voeux...

2009-01-18T03:56:00.013+01:00

A voir en écoutant : Bruce Springsteen - The Wrestler

Alors voilà. Nous y sommes en 2009.
Je suis donc supposé, cher lecteur, te souhaiter une excellente nouvelle année. Mais dès ce mois de janvier, mon oeil a perdu sa naïveté.
Une école de l'ONU bombardée, un hôpital touché par un obus, 355 enfants tués. Pénurie d'eau, pénurie d'électricité, pénurie de nourriture.
Mon oeil a la nausée.
Brièvement, pourtant, une lueur d'espoir s'empare de lui. Rony Brauman, Eric Hazan, les Physicians for Human Rights-Israel, Elias Sanbar et Stéphane Hessel sont parmi les responsables. Gageons que, peut-être, raison sera retrouvée.
Aussi, malgré tout, mon oeil reviendra prochainement te narrer ses découvertes artistiques. Malgré tout, il t'invitera cette année à sortir des galeries pour dénicher l'art qui se loge dans notre anodin quotidien. Malgré tout, il t'embarquera dans sa quête de la compréhension d'un genre de l'art contemporain : les installations (puissent-elles être comprises).
Aussi, malgré tout, mon oeil te souhaite une belle et artistiquement riche année 2009.

A toi de voir...
Merci à Mahmoud Darwich.

Coming opening
"Sauvage" Antoine Gamard et Edwin Goodwrite
vernissage le jeudi 19 février 2009, de 18h à 21h
galerie Bailly Contemporain
25 quai de Voltaire 75007 Paris

Sur la toile - N°2 : JR

2008-12-14T16:03:00.018+01:00

A voir en écoutant : Erkyah Badu w/ Madlib - Real Thing

Dimanche 14 décembre 2008. Les Freaux : -11 degrés, Piau Engaly : -9 degrés, Mauléon-Licharre : 2 degrés. N'étant hélas pas né en Sibérie tétant un biberon boosté à la БЕЛОЕ ЗОЛОТО et coiffé d'une chapka, je ne suis hélas pas armé pour affronter d'abyssales températures. Cette déficience semble pourtant être aujourd'hui un atout ; en effet, elle me permet, au gré d'une ballade webesque imposée, de prendre connaissance du projet actuellement mené par JR.

Ne vois pas dans ces évocations de la Sibérie et de JR, une intention de te replonger dans une période froide des 80's ; en effet, JR n'est pas le texan dont la Sue Ellen aurait aimé goûter la БЕЛОЕ ЗОЛОТО si le contexte politique le lui avait permis. Le JR dont je te parle aujourd'hui est le photographe parisien qui avait précédemment réalisé les projets "Portraits d'une génération" et "Face 2 Face".

De clic en clic, mon oeil se pose sur "Women are Heroes". Sillonant le Kenya, le Soudan, le Sierra-Leone et le Liberia, JR rencontre des femmes meurtries par les violences. Il témoigne des discriminations subies par cette moitié de la population, discriminations accrues par les conflits déchirant ces régions. Il écoute les viols, les brutalités, les tortures. Il voit les larmes, les souffrances, les plaies morales. Et il réalise des portraits éclatants, noir et blanc, où les femmes, qu'on imaginerait volontiers brisées de l'intérieur, s'exposent dans toute leur vitalité. Il utilise un objectif 28 millimètres, grand angle qui permet un large cadrage et donne un effet bombé à la prise du vue. JR parvient ainsi à souligner la vigueur des grimaces malicieuses des femmes photographiées.

Le projet de JR interroge. Certes, les portraits sont d'une esthétique maîtrisée et singulière ; pourtant, leur limite n'est pas leur qualité artistique. Même si JR expose dans les grandes villes européennes pour interpeller notre regard occidental quant aux destins de ces femmes et créer un lien entre deux mondes parallèles, l'ambition première est de confronter les photographies à l'environnement dans lequel elles ont été réalisées. En affichant les portraits sur les façades des villes du Sierra-Leone ou du Liberia, il questionne les populations locales et impose de rendre aux femmes leur digne statut.

Soulignons-le, dans son projet "Woman are heroes", JR rend compte de réalités sociales et culturelles en parvenant à éviter les travers du voyeurisme et du misérabilisme.

A toi de surfer...

Merci à Steve Jobs et Bill Gates.

TRAILER " WOMEN ARE HEROES"
envoyé par JR

http://www.womenareheroes.be/

Quand les grands esprits se rencontrent...

2008-11-30T19:23:00.015+01:00

A voir en écoutant : Nas - Surviving The Times

Cher lecteur,

je réalise aujourd'hui qu'au cours de nos derniers échanges, je n'ai pas eu l'occasion de te parler de celui qui, en quelques jours, a occupé davantage de couverture médiatique que notre président après plus d'un an de règne (un challenge qui n'est pas à la portée du tout venant...). Sur sa fiche wiki, trois mots le définissent : Hawai, Afro-américain, Sénateur. Sur ses lèvres, trois mots définissent l'espoir : "Yes we can".
Alors qu'en ces lendemains d'élections historiques, la question qui obsède la plupart de nos contemporains est de savoir ce que fera le premier président noir américain, celle qui me taraude en repensant à ma visite de la galerie Jean-Marc Patras est plus essentielle : Barack Hussein Obama, 44e président des Etats-Unis, sera-t-il le 15e portrait de la série African Spirits de Samuel Fosso ?

Au gré de mes pérégrinations maraisiennes, j'ai en effet découvert par hasard les photographies de Samuel Fosso.

Immédiatement impressionné par la dimension des portraits (110 x 85), je suis ensuite admiratif de leur composition, de leur simplicité mais aussi de leur qualité technique inédite. Surtout, je te l'avoue (car maintenant, on se dit tout, n'est-ce pas ?) mon oeil naïf, après avoir parcouru l'ensemble des "toiles", ne comprend que trop tard la supercherie : je suis tombé dans le piège des mises en scène de l'auteur... Il faut un certain temps à mon regard - cette fois peu averti - pour remarquer que, sur chaque cliché, je suis face au même usurpateur d'identités, Samuel Fosso en personne.

Photographe précoce, Samuel Fosso est cet enfant de 13 ans qui ouvrait seul son studio à Bangui, avec comme inscription quasi-publicitaire sur son comptoir : "Vous serez beau, chic, délicat et facile à reconnaître". C'est le même homme qui se travestit aujourd'hui devant son propre objectif, dans un décor usant, en les revisitant, les codes du studio traditionnel africain, afin de réaliser des caricatures minutieuses et éminemment modernes.

La série African Spirits est une autre étape dans le travail de Samuel Fosso : en choisissant de rassembler sous la bannière des esprits africains 14 grandes figures d'une "identité noire", il fait appel à une mémoire collective et visuelle forte.
Ces grands esprits ont tous leur image inscrite dans nos souvenirs.

Ce poing levé à Mexico, ce doigt pointé à Memphis, cette afro revendicatrice, mais aussi la bague au croissant de Malcom X, les lunettes de Patrice Lumumba, les décorations militaires d'Hailé Sélassié : ces éléments ont figé des icônes, aujourd'hui reconnaissables par leurs seuls attributs et attitudes. L'autoportrait échappe ainsi à son auteur : il disparaît derrière le masque de ses modèles. Ici, ce sont les détails qui font l'histoire.

Le travail de Samuel Fosso n'est donc pas simplement photographique. Il réside pour une grande part dans la préparation et la performance de l'artiste : son corps est transformé dans un portrait christique de Mohammed Ali et son regard transfiguré dans celui de Martin Luther King.

Quand on lui pose la question, il avoue "j'emprunte une identité. Pour réussir, je me plonge dans l'état physique et mental nécessaire. C'est une façon d'échapper à moi-même".

A toi de voir...

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Samuel Fosso
"African Spirits"
Du 25/10/2008 au 25/03/2009
Jean-Marc Patras / galerie
8 rue Sainte Anastase
75003 Paris

http://www.jeanmarcpatras.com/

Vanitas vanitatum omnia vanitas

2008-11-16T02:15:00.008+01:00

A voir en écoutant : Nina Simone - Suzanne

Cher lecteur,

Paris. Novembre 2008. Mois de la Photo.
J'aurais pu choisir de te parler de la Magnum Gallery ou du Palais de Tokyo. Mais il me semble avoir entraperçu ton abonnement à Télérama.
J'aurais pu choisir de te parler des sous-Avedon (béni soit le jour où ils comprendront enfin qu'un portrait face objectif sur fond blanc n'est pas obligatoirement digne d'intérêt), des Goldin-bis (si je veux me faire voyeur, myspace fera l'affaire) ou des pseudo-Michals (c'est ainsi, peu sont élus génies de la mise en scène). Mais il me semble que je me risquerais à marcher sur les plates-bandes de Technikart.
Aussi, je t'invite à me suivre hors des sentiers du Mois de la Photo, à l'Association Alfred Reth où Aline Boutin propose une exposition des photographies de Rachel Levy.

Pourquoi ?

Parce qu'il est bon de renouer avec la subtilité.
Les photographies de Rachel Levy sont délicates. Pas précieuses, mais fines. Les couleurs des pétales y sont simplement retranscrites dans toute leur complexe nuance et les authentiques ombres projetées sont une apparition cinématographique. L'épure n'est pas uniquement là pour se faire esthète, au contraire, elle souligne les aspérités.

Parce que des fleurs peuvent faire l'objet de portraits.
Les fleurs de Rachel Levy sont des personnages. Rebelle, sophistiquée, timorée, chacune donne à voir son tempérament, le caractère individuel des portraits venant souligner la personnification. Détaillant leur posture, je me surprends à deviner un mouvement derrière l'apparent immobilisme.

Parce que le travail de Rachel Levy actualise les vanités.
La photographe fait une proposition originale en recourant à ces fleurs, que la fraîcheur a quittées mais que le flétrissement n'a pas encore totalement condamnées, pour évoquer la précarité de la vie. Memento mori.
Le temps a laissé ses stigmates. Forcément. Le vécu a marqué son empreinte. Forcément. La finalité du vivant n'a plus qu'à être acceptée puisque le terme du parcours se rapproche. Pourtant, la beauté, débarrassée de son éphémère illusion, gagne en affirmation. L'apparente fragilité est finalement gommée par une force bravache. N'oeuvrant plus pour plaire, les fleurs photographiées par Rachel Levy sont dignes.

A toi de voir...

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Aline Boutin et l'Association Alfred Reth expose Rachel Levy
du 14/11/08 au 06/12/08
34 boulevard de l'Hôpital
75005 Paris
http://rachellevy.perso.cegetel.net/

Everybody kawaii

2008-11-02T21:55:00.005+01:00

A voir en écoutant : Soko - I’ll Kill Her

Cher lecteur,

je sais ton impatience à connaître la suite de mes aventures visuelles à l'incontournâââble galerie Emmanuel Perrotin. Après la tiède découverte de la chaise de Pharrell Williams qui s'était déjà répandue sur la blogosphère comme un millionnaire dérouté fond sur l'art contemporain, je fais face aux oeuvres de Mr. présentées à l'exposition "Nobody dies" et dont l'intérêt réside dans l'esthétisme "kawaii" et plus encore dans les interrogations qu'elles suscitent.

Appartenant au collectif Kaikai Kiki dirigé par Takashi Murakami, Mr. puise son inspiration dans les codes et l'imagerie populaire des mangas. A ce titre, les toiles colorées et teintées de feinte naïveté offrent des personnages féminins, tous adolescents, aux yeux rondement disproportionnés et aux cheveux tantôt roses tantôt verts.

Le film de 30 minutes que l'artiste a réalisé avec de jeunes actrices intègre lui aussi l'univers kitsch et enfantin de la bande-dessinée japonaise. Ces adolescentes, sorties du pensionnat, s'amusent à la guerre lorsque prises dans les pièges du jeu, elles font l'apprentissage de nouvelles sensations, de la peur au galvanisme de la témérité. Au-delà de la représentation codifiée, je retiens dans l'art de Mr. le travail sur la perspective et le sens aigu de la narration portée par la composition de la toile et la forme du support.

Je suis frappée par les contradictions propres aux lolitas de Mr. Armées, en position de combat, elles font figure de véritables soldats mais restent profondément ancrées au monde de l'enfance, souffrant vraisemblablement du syndrome Peter Pan. Après tout, il ne s'agit là que d'un jeu dans lequel "nobody dies"...
Je me questionne : le manga est le moyen d'expression de Mr.. Est-il sa limite ou une source qu'il revisite sans cesse ?

A toi de voir...

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Mr.
du 21/10/08 au 10/01/09
Galerie Emmanuel Perrotin
10 impasse Saint Claude
75003 Paris
www.galerieperrotin.com

Une chaise pour deux

2008-10-26T10:34:00.012+01:00

A voir en écoutant : TV On The Radio - Love Dog

Cher lecteur,

la question à deux millions (de yen, parce qu'il grimpe) : quel est l'homme qui a fondé un groupe hip hop-rock, qui produit la quasi-totalité des teens' artistes, qui s'acoquine avec l'élitiste Louis Vuitton pour créer bijoux et lunettes et qui détient deux lignes de vêtements fabriquées au Japon (encore lui) en série très limitée parce que la pénurie crée la demande ? Non, ce n'est pas Shiva ayant reconverti ses quatre bras dans l'entertainment, ni Superman ayant recyclé ses super-pouvoirs pour détenir le monopole de la Hype. Ladies & Gentlemen, let me introduce you to... Pharrell Williams !!

Si je te parle aujourd'hui de ce trentenaire, ce n'est pourtant pas pour les raisons évoquées plus haut mais parce que Mr Williams présente ses nouvelles créations design à la galerie Emmanuel Perrotin : des chaises, aux couleurs vives, aux surfaces brillantes et douces, à l'assise peau ou cuir, avec quatre vrais pieds et jambes, tantôt masculins, tantôt féminins. Morphodesign, quand tu reviens... Car il est faible de dire que les créations de Mr Williams ne révolutionneront ni l'art ni le design.

D'abord, la forme. Charles et Ray Eames avaient déjà conçu en 1948 une chaise à coque moulée. Ensuite, l'intégration de membres humains dans le mobilier. Souvenons-nous de la chaise "L'homme" de Ruth Franken datant de 1971. Mais après tout, me rétorqueras-tu, l'appréciation d'une oeuvre ne s'établit pas à l'aune de son originalité par rapport aux créations qui l'ont précédée. Peut-être pour saisir des subtilités qui m'auraient échappé, je décide d'interroger Pharrell présent en duplex lors du vernissage.
Quant au propos de ses oeuvres, l'artiste, qui ne mentionnera jamais l'érotisme suggéré, m'explique son intention de concevoir un mobilier dans lequel le corps humain se glisserait comme dans un vêtement. La forme invite ainsi au confort du corps, le siège anthropomorphe renvoyant à la position de l'homme assis.

Art ou design ? Peu importe pour Pharrell ; celui qui regarde l'oeuvre n'aura qu'à choisir. Alors que Pharrell intègre ses chaises à un processus de création globale, au même titre que sa production musicale ou ses réalisations vestimentaires, tous participant à son accomplissement artistique, je choisis d'y voir l'oeuvre, gangrenée par la facilité, d'un américain décomplexé surfant sur la vague d'un revival pop-art avec, il faut le reconnaître, un savoureux mélange composé d'une pincée d'avant-gardisme et d'un soupçon d'opportunisme joyeux.
Et pourtant, la galerie Emmanuel Perrotin réserve d'autres surprises.
La suite au prochain épisode...

A toi de voir...
Merci à Domeau et Pérès.

Pharrell Williams
"Perspective"
du 21/10/08 au 10/01/09
Galerie Emmanuel Perrotin
10 impasse Saint-Claude
75003 Paris
www.galerieperrotin.com/

Provocation ?

2008-10-19T15:35:00.020+02:00

A voir en écoutant : Miilkbone - Keep It Real

Cher lecteur,

les parisiens et les parisiennes s'entassent dans un espace de 39.000 m2 pour l'inauguration du 104, événement que chacun avait pris soin de noter dans son iPhone et autre Blackberry. Tous observent, avec une perplexité qu'ils tentent de dissimuler, certaines oeuvres dont la vocation dernière est d'être intelligibles.

Dans un souci d'originalité (snobisme ?), je délaisse le 104 rue d'Aubervilliers pour le 78 rue Amelot où la galerie Magda Danysz invite au vernissage d'Obey et de D-Face. Je suis bientôt rejoint par une curieuse foule identifiable à une affiche roulée, tantôt tenue sous le bras, tantôt dépassant du sac. J'apprends rapidement qu'il s'agit de l'affiche offerte par le 104 à ses visiteurs pour célébrer la consécration du temple auto-proclamé de l'art contemporain. Je m'interroge :
1. me trompe-je tant quant à ma prétendue originalité?
2. mais que fait le public du 104 à la galerie Magda Danysz ?

Concernant ma première interrogation, je t'éviterai les méandres de mon introspection (comme a dû dire un jour Woody Allen : "j'ai un psy").
Pour la deuxième, j'ai rapidement compris que face aux inintelligibles oeuvres du 104, les très compréhensibles travaux d'Obey et D-Face avaient pour mérite de rassurer les parisiens et les parisiennes.

Les deux artistes sont symptomatiques de la nouvelle génération de street-artistes vénérés par les galeristes. Exposés ici en parallèle, ils ont pour point commun d'inviter notre regard au-delà de l'image. L'un détourne les affiches de propagande russe tandis que l'autre a recours à l'imagerie publicitaire américaine des 50's. Tous deux visent à encourager le spectateur à reconsidérer les stéréotypes de la société de consommation (encore elle, toujours elle).

Portés par cette intention, Obey et D-Face transmettent des messages à la force de leur graphisme. Il peut s'agir d'injonction à la paix (un avion militaire détourné en signe Peace & Love ou un soldat dont la mitraillette est décorée du même symbole) ou d'invitation à l'égalité (le portrait de l'icône Angela Davis avec... le symbole Peace & Love). Parfois, ils s'en prennent à l'attraction suscitée par le dieu Argent. D-Face propose ainsi un billet d'un dollar (l'oeuvre en vaut 25.000, le dollar se réévaluerait-il ?) offrant une tête de mort ornée de deux ailes déplumées. Certains y voient de la "désobéissance visuelle" et parlent du comble de la provocation. Certes, le message est limpide - peut-être un peu trop - mais en matière de provocation, Mafalda faisait mieux et avec humour, en prime.
Pour ma part, les deux artistes n'atteignent pas totalement leur but de m'inviter à porter un autre regard sur mon environnement. La faute à la facilité. Néanmoins, je suis sensible à l'esthétique proposée. Obey est à compter parmi ceux qui ont contribué à l'évolution du Street-Art, le faisant passer de l'obligatoire simplisme originel (dans la rue, fallait faire vite) à l'actuelle complexité des oeuvres. En témoignent le méticuleux assemblage de pièces de journaux, l'utilisation sophistiquée du pochoir conjointement au rouleau et la bichromie.

Pari à moitié tenu donc pour Obey et D-Face. Mon conseil du jour : dans la famille Street-Art, je t'invite à (re)découvrir Banksy, son humour et la finesse de ses provocations.

A toi de voir...
Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Exposition Obey + D-Face
Du 11/10/08 au 25/10/08
Galerie Magda Danysz
78 rue Amelot
75011 Paris
www.magda-gallery.com

Des photos et des Hommes

2008-10-12T20:55:00.022+02:00

A voir en écoutant : Nujabes - The Final View

Une Folie, donc. Une splendide Folie du XVIIIe siècle dans le XXe arrondissement (ben oui, je parle de la Folie au sens architectural, pas de celle qui domine les marchés financiers actuellement). Fière, droite, blanche, armée de quatre colonnes et cependant sobre. Je suis immédiatement charmé par le lieu.

Au Pavillon Carré de Baudouin donc, se tient ce jour-là le vernissage de l'exposition consacrée à Denis Darzacq. Forcément, j'imagine déjà une foule parisianiste hypeuse plutôt pressée pour cause de fashion week. Forcément puisque Mr Darzacq a reçu le 1er Prix Stories du World Press Photo 2007 (ça l'fait !), puisqu'il a été photo-journaliste pour Libération (ça l'fait ?) et puisqu'il a arpenté professionnellement quelques fameux plateaux de cinéma (Rivette, Satyajit Ray et Chantal Ackerman, ça l'fait !) et de clips video (Rita Mitsouko et Etienne Daho, ça l'fait !).

Totale erreur. La foule est multiple et authentique. Depuis les danseurs présents sur les photographies de Denis Darzacq qui prennent le temps de m'expliquer les méthodes de travail adoptées en passant par l'étudiante des Beaux-Arts jusqu'au père qui transmet à son jeune fils les plaisirs de la découverte artistique. Bref, des êtres humains.
Et ce sont d'autres hommes qui m'apparraîssent exposés sur les murs du Pavillon Carré de Baudouin. Casqués, flottant ou chutant, les hommes de Denis Darzacq sont d'abord des individus. Certes, la renommée du photographe s'est amplifiée lorsque ses oeuvres ont été mises en corrélation avec les "émeutes" de 2005 survenues dans les banlieues. Il est vrai également que les terrains de travail de Denis Darzacq se nomment Nanterre, Bobigny ou XIXe arrondissement. Pourtant, au-delà des cités et des entrées d'immeuble, je vois l'humain. Pas l'humain globalisé des gens du marketing, pas l'humain stéréotypé des lignes éditoriales, encore moins celui stigmatisé par les gens de la politique. Effectivement, face à moi, chaque regard, posture ou mouvement me renvoie l'image d'une individualité. Impossible de généraliser le regard que les modèles m'adressent, impossible de définir un état d'esprit commun, impossible de trouver un sentiment partagé par tous. Ils sont accablés ou décidés, fougueux ou sereins, fiers-à-bras ou usés.

L'homme de la rue.
La série "Ensembles" (1997-2000) propose un point de vue en hauteur. En l'absence de tout indicateur de lieu, les personnes photographiées organisent seules l'image. Elles se promènent bras enlacés, s'arrêtent pour échanger, se dirigent affairées ou abattues vers quelque autre lieu. Et toujours, leurs ombres les accompagnent. Jamais totalement seules, jamais totalement ensemble. En regardant ces photographies, je me fais voyeur de ces solitudes et me surprend à constater la mienne dans la galerie pourtant bondée.

Le visage de l'homme.
Dans "Bobigny Centre Ville" (2004-2005), Denis Darzacq fait le portrait individuel de résidents (tenus à résidence ?) de la cité, photographiés devant leur immeuble. Je n'y vois nul banlieusard, nul lascard ni autre 3e génération. Je rencontre Mame Sow, Djibril Koita ou Hamza Achik.

L'homme nu.
Ils sont tous nus mais sans le moindre soupçon d'érotisme. Laissant derrière eux leur standardisé pavillon, ils avancent décidés dans la série "Nu" (2003), aucune hésitation ni contrainte ne semble les atteindre. Quel est ce lieu vers lequel ils se dirigent ? Est-ce seulement un lieu ?

L'homme suspendu.
Que ce soit dans la série "La chute" (2006) ou dans la série "Hyper" (2007), l'homme de Denis Darzacq lévite et offre une image inattendue. Les danseurs sont capturés par l'oeil du photographe à l'instant précis où ils s'affranchissent des contraintes de l'apesanteur et de la pesanteur. La performance des modèles est évidente dans les figures aériennes qu'ils accomplissent. Néanmoins, aussi importante est la liberté que l'individu prend à l'égard du monde normalisé qui l'entoure, de l'urbanisation de la cité à l'hideuse esthétique des hypermarchés.

L'homme masqué.
Pour mon oeil, la série "Casques" (2007) est la moins évidente. Les casques apparaissent tels des masques portés par chaque personnage. Celui-ci, bien que dissimulé derrière son armure faciale laisse deviner sa personnalité au travers du choix des motifs de son casque. Pourtant, je préfère Denis Darzacq lorsqu'il photographie l'homme sans artifice.

A toi de voir...
Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Le Pavillon Carré de Baudouin expose Denis Darzacq
du 03/10/2008 au 22/11/2008
119, 121 rue de Ménilmontant
75020 Paris

Quand "les Malheurs de Sophie" font mon bonheur

2008-09-28T00:13:00.025+02:00

A voir en écoutant : Lykke Li - Little Bit

A quoi sert une galerie ?

A pas grand-chose, semble répondre Mr Damien Hirst.
L'artiste qui a commis 223 oeuvres en 2008 (for God's sake !) a réussi son pari : vendre en direct chez Sotheby's. Montant total : 139 millions d'euros. Mr Hirst est passé de la case Atelier à la case Acheteurs sans passer par la case Galerie. Les galeries ne servent à rien, cqfd.
Avec Mr Hirst, grande est la tentation de jeter dans le même sac et aux orties banques d'affaires et galeries. Ensemble, nos traders chaussés Paul Smith sur vêtements YSL, par lesquels arrive un revival des noires 30's et nos commissionnés galeristes-qui-tuent-l'art-en-assassinant-les-artistes. Tous les mêmes !

A quoi sert une galerie ?

A présenter un artiste, à révéler une oeuvre, à dévoiler un univers artistique, dois-je rétorquer à Mr Hirst. Bien entendu, cette entreprise est à but lucratif - mon oeil est naïf mais pas stupide -, et alors ? Alors, il y a des abus, du galeriste voracement goinfre au galeriste sournoisement spéculatif. Mais il y a aussi des galeristes dont l'intérêt pour l'art est authentique et qui visent à promouvoir des oeuvres, rendant légitime leur commission. La preuve ? La Galerie Nivet-Carzon.

Au hasard d'une promenade dans les rues germanopratines, j'avais rencontré en mai dernier les galeristes du 40 rue Mazarine, Kristof Seys et Jérôme Nivet-Carzon. J'avais appris alors que les deux acolytes s'étaient rencontrés dans un cours de dessin et retrouvés dans le constat de leur piètre talent de dessinateur en même temps que dans leur intérêt commun pour la peinture néonarrative. Ils avaient donc convenu d'ouvrir une galerie conçue tel un triptyque dont les éléments, l'artiste, le galeriste et l'acheteur-amateur d'art, seraient appréhendés dans une totale interaction. Aussi, las de l'art du superlatif à la Jeff Koons et autre Damien Hirst qui nous est déversé quotidiennement (ras-le-bol du record de la meilleure vente, marre de l'oeuvre contemporaine qui pèse des tonnes - au sens propre et figuré -), je décide cette semaine de retrouver le délice d'un échange avec un vrai galeriste et renoue avec le bonheur en découvrant l'exposition collective "Les Malheurs de Sophie".

"Les Malheurs de Sophie"

Kristof Seys et Jérôme Nivet-Carzon sont fous d'histoires. Ils ont donc imaginé et rendent aujourd'hui tangible la rencontre entre une conteuse, la Comtesse de Ségur, et vingt artistes.
Ils ont choisi l'une des pièces maîtresses de la littérature française de notre enfance qui a participé à nourrir notre inconscient collectif. Qui ne se souvient pas des bêtises commises par l'aventureuse Sophie avec la complicité de son sage cousin, Paul ? Qui n'a pas été marqué par les sévères leçons d'éducation administrées à la malheureuse Sophie ?

Parce que cette histoire est fédératrice, parce qu'elle est connue de tous, les deux galeristes ont invité chacun des artistes à choisir l'un des 22 Chapitres pour en proposer une nouvelle écriture picturale avec la seule contrainte d'un format unique.
Aujourd'hui les oeuvres sont exposées dans un ordre chronologique à la Galerie Nivet-Carzon et à la Galerie Catherine et André Hug (d'autres "vrais" galeristes d'art contemporain, n'en déplaise à Mr Hirst).
Forcément, j'avais un a-priori avant de découvrir les oeuvres. J'étais persuadé que les artistes se seraient emparés de la part de perversité présente dans le roman. Il faut avouer que j'avais tort. Non pas qu'elle soit absente, cette part de perversité, mais ce qui me surprend davantage est la prédominance de l'imaginaire de chacun des artistes à l'égard d'un même roman.

Federico Granell présente une Sophie droite et impavide, inscrite dans la rectitude des lignes d'une fenêtre et d'une table. Couteau à beurre dans la main, elle est occupée à la découpe des poissons rouges, dont l'orange tranche le gris-bleu de la toile ("Les petits poissons", Chap. IV). Virginie Clavereau choisit de ne pas montrer Sophie mais la cruauté des adultes se riant d'une enfant désireuse de sourcils épais pour devenir femme ("Les sourcils coupés", Chap. VIII). Les dents des adultes se font carnassières et leurs visages déformés ciblent tous une Sophie hors-champs. Surréaliste, "Le chat et le bouvreuil" Chap. XVII de Franck Rezzak offre un chat sans tête, non pas véritablement décapité. Il porte absurdement un noeud autour du cou et sur la bosse qui lui reste trône un bouvreuil. De la sadique douceur de Thomas Ivernel ("La poupée de Cire", Chap. I), aux jeux enfantins macabrement joyeux de Michel Castaignet ("L'enterrement" Chap. II), en passant par le baroque de Filip Mirazovic ("La joue écorchée" Chap. XIV), l'exposition collective est l'occasion de découvrir la vivacité de la nouvelle scène narrative.

Alors que l'exposition doit prochainement être présentée à Angers, alors qu'il existe un projet d'ouvrage édité par la Rive Neuve, je t'invite à vivre la jouissive expérience d'un plongeon dans les délicieuses bêtises de ton enfance, à la découverte de 22 imaginaires narratifs.
"Les Malheurs de Sophie" auront 150 ans ; ne dispose-t'on pas là d'une occasion de faire rayonner l'art contemporain d'une autre façon en faisant voyager l'exposition-concept au-delà des murs de la galerie Catherine et André Hug et de la galerie Nivet-Carzon ?

A toi de voir...

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Exposition "Les Malheurs de Sophie"
Galerie Catherine et André Hug
9 rue de l'Echaudé
75006 Paris
www.galeriehug.com
Galerie Nivet-Carzon
40 rue Mazarine
75006 Paris
www.nivet-carzon.com

Sur la toile - N°1 : Seth Armstrong

2008-09-21T02:11:00.021+02:00

A voir en écoutant : Theoretical Girl - Another flight

Cher lecteur,

as-tu constaté, comme moi, que cette rentrée est celle de tous les cataclysmes : de l'implosion des marchés financiers (entre nous, est-ce un mal ?) au succès de Siné Hebdo (entre nous, c'est un bien !) ? Ne souhaitant pas être en reste, j'inaugure ici la nouvelle rubrique de ma rentrée. Régulièrement, je te parlerai d'un artiste déniché sur la toile, au sens webesque (sic) du terme. Certes, rien ne vaut le délice de tourner autour d'une sculpture pour en apprécier les formes et volumes (sauf pour celles de Jeff Koons, peut-être ?). Certes, rien ne vaut de toucher du regard une peinture pour en appréhender les subtilités (sauf pour celles de Jeff Koons, peut-être ?). Certes. Mais je pense à l'habitant de Montel-de-Gelat subitement animé d'un irrépressible désir d'art. Après avoir dévoré pour la troisième fois les 700 pages de l'"Histoire de l'art" d'Ernst Gombrich, de quoi dispose notre Montelois pour contenter son envie, si ce n'est sa connexion haut débit ?

Et puis il existe parfois autant d'agréables surprises sur le net qu'il en existe de désagréables dans les galeries. Tu peux me croire, j'en ai fait la douloureuse expérience la semaine dernière. Ils (par décence à l'égard de leurs aïeux et leurs descendants, je ne les nommerai pas) avaient annoncé la "nouvelle génération de galeries d'art". Ils disaient proposer un "lieu d'exposition convivial dédié aux artistes émergents". J'étais à peine entré dans ce qui devait être le nouvel Eden qu'ils m'ont aussitôt fait regretter de ne pas être dans une galerie irascible présentant des artistes sur le déclin ! Dont acte. Voilà confirmé l'intérêt de parler aussi de ce qui se passe sur le web.
Mais revenons à notre nouvelle rubrique et parlons de Seth Armstrong.

Seth est californien. Donc, il est blond, porte un t-shirt jaune et mange des corn-flakes.
Seth raconte des histoires. De trois amis à la campagne ("Pissing in Ireland"), aux jeunes acteurs en répétition ("Rehersal"), en passant par trois cyclistes en pause ("Gavin says"), Seth narre des histoires sans définir mais, au contraire, en invitant à l'imaginaire. Ses peintures retranscrivent de véritables scènes de films. Des scènes non pas vues depuis un fauteuil de spectateur mais vues depuis un plateau de tournage. En effet, l'éclairage des toiles, par un travail sur la lumière, semble émaner d'un projecteur.

Cet artifice n'entrave pourtant pas l'omniprésence de l'humain, autant dans les regards des quatre hommes de "No place to be somebody" que dans l'attente résignée des immigrants aux vestes défraichies de "The immigration station".

Seth, en américain parfait, peint des super-héros. Seth, en peintre pourvu de dérision, installe ses super-héros costumés dans une concrète réalité quotidienne : en partance pour des vacances ("Heroes") ou en balade en Turquie ("Heroes won't quality Urunler").

Il ne nous reste plus qu'à prendre nos billets pour la Californie (pas chers, 1 euro = 1,45 dollar) où Seth Armstrong expose.

A toi de surfer...

Merci à Steve Jobs et Bill Gates.

www.setharmstrong.com

Les Lauréats

2008-09-15T10:55:00.023+02:00

A voir en écoutant : Theoretical Girl - Hypocrite

Alors voilà. Ils ne parlent plus que de ça. L'ex-trader, roi du neo-pop-art kitschissime, adulé des neo-riches et dont les oeuvres se vendent aussi cher qu'Usain Bolt court vite (c'est dire...) expose à Versailles. Jeff Koons chez Louis XIV et Marie-Antoinette. Audacieuse ou honteuse rencontre ? Blasphème, sacrilège, hurlent certains. Pour la plupart, il s'agit d'un tête-à-tête entre deux univers que plusieurs siècles séparent mais que l'aspiration à éblouir et à fasciner rapprochent ; on dirait une histoire comparée du bling-bling.

Fort de la subtilité dont il s'enorgueillit - à moins que ce ne soit son snobisme pour une fois, va savoir -, mon oeil naïf préfère te parler d'une autre rencontre, celle qui se tient à la Galerie Baudoin Lebon entre deux photographes, Aurore Valade et Guillaume Lemarchal. La Fondation HSBC pour la Photographie a eu l'heureuse initiative de les désigner Lauréats de son édition 2008.
Les photographies de l'une sont aussi colorées, foisonnantes et maniéristes que les photographies de l'autre sont effroyablement blanches, silencieuses et poétiques. Pourtant, tous deux nous parlent des hommes. Aurore Valade choisit de nous montrer dans une théâtrale présence quand Guillaume Lemarchal nous évoque par notre absence, au travers des empreintes indélébiles que nous abandonnons.

Aurore Valade - La frontière entre fiction et réel.
Aurore Valade s'invite chez nous. Partant du réel des vrais gens dans leurs vrais appartements, elle ne photographie pas des personnes dans leurs intérieurs, contrairement aux apparences, mais des intérieurs avec des personnages. Elle met en scène des individus, joue avec la scénographie qu'elle élabore. Les poses des personnages les inscrivent dans la scène au même titre que les décors.

La plante, le chat au sol et celui reflété dans le miroir, le rideau et la femme assise sur le lit, jambes croisées, sont autant d'éléments d'un monde reconstruit par l'artiste. Loin du voyeurisme, les photographies sont proches du théâtre. Le travail sur la lumière, la disposition, voire la profusion chaotique des objets et les poses dramatisées confèrent à la réalité l'aspect de la fiction.

Metteur en scène, peintre, Aurore Valade est aussi, à sa manière, sociologue. Au-delà du cliché et du maniérisme, ses photographies renvoient à des réalités sociales, économiques et culturelles. Ainsi, une femme langoureuse vêtue de sa robe de gala et entourée de ses fauteuils et tableaux donne à voir ses signes extérieurs de richesse. Plus tard, c'est au travers d'une combinaison rouge, d'un dessus de lit, d'une Sainte Vierge ou encore d'un papier-peint à fleurs que je retrouve codes sociaux et stéréotypes.

Guillaume Lemarchal - De l'ambiguité du blanc.
Après l'éparpillement des photographies d'Aurore Valade vient la concentration propre à celles de Guillaume Lemarchal. Mon premier contact avec les oeuvres du photographe est ce cabanon jaune trônant au milieu de l'immensité de la neige. Expérience esthétique qui me trouble.

Par la suite, je m'attarde sur la photographie d'un paysage : un banc abandonné de toute présence humaine, faisant face à un lac, quelques arbres dépourvus du moindre feuillage et cette même neige glaciale. Je m'interroge : certes, aucun signe de présence humaine et pourtant, je l'entends. Ou plutôt, je la devine au travers de ses contructions, de son antérieure occupation du lieu.

Voilà la force des photographies de Guillaume Lemarchal. Tu peux chercher, tu ne trouveras aucun homme mais son intervention est évidente. Les paysages présentés en conservent la mémoire : de bâtiments militaires désaffectés en jardins publics désertés, l'artiste utilise notre absence pour mieux parler de nous. Il convoque notre imaginaire. Dans ces paysages d'Allemagne ou d'Estonie, des événements ont eu lieu, événements individuels (le jardin d'enfants) ou concernant la communauté (monuments historiques, base millitaire). Derrière la façade poétique, sourdre une tension, une angoisse. Je suis forcé à nous interroger : que faisons nous du territoire qui nous est donné ? Nous sommes responsabilisés ; quelque chose du passé reste encore présent par-delà le froid et le silence de la neige. De l'ambiguité du blanc...

Réjouissons-nous. La Fondation HSBC pour la Photographie coédite un ouvrage monographique pour chacun des deux artistes et organise plusieurs expositions de leurs oeuvres. Un tremplin mérité.

A toi de voir...
Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

La Fondation HSBC pour la Photographie expose
Aurore Valade et Guillaume Lemarchal
du 04/09/2008 au 27/09/2008
Galerie Baudoin Lebon
38 rue Sainte-Croix de la Bretonnerie
75004 Paris
www.baudoin-lebon.com

Insolites perspectives

2008-09-07T14:17:00.026+02:00

A voir en écoutant : Knucklehead - Jazz Disc (The Happy Organ)

Cher lecteur,

comme toi cette semaine, j'ai vécu ma Rentrée. A l'instar de quinze millions d'élèves et d'un peu moins de professeurs que l'année précédente (après tout, tant qu'il reste du temps de cerveau humain disponible, l'Education est-elle si importante ?), j'ai troqué mes palmes et mes tongs contre mon stylo et mes urban wears, déterminé à reprendre avec enthousiasme mon exploration de l'univers des arts contemporains.

Comme toi cet été, j'ai été subjugué par la magnificence des cérémonies des Olympiades et troublé par le décuplement des émotions sportives et les vociférations des commentateurs qui les accompagnaient. Comme toi, j'ai été interloqué par le retour d'une expression que je pensais désuète, "la Guerre Froide".
Cerné par ces fastes et fracas, j'opte, en cette semaine de rentrée, pour ce que je pense relever du familier, celui de la Foire du Trône, en choisissant de découvrir les oeuvres de Jacqueline Taïb dans l'exposition "Hors-sol" proposée par la Galerie La Ferronnerie.
Mon oeil est justement attiré par des toiles grand format présentant des scènes de fête foraine appartenant à une imagerie familière. Et pourtant...

Dès l'observation de "Pas de perdant" où un forain est inscrit dans un agglomérat de peluches, je pressens un je-ne-sais-quoi d'étrange. Le regard y est d'abord sollicité par la couleur puis l'attention est captée par l'homme juché sur son stand, justement "hors-sol". Certes, l'image est connue, de la multitude de lots à gagner aux sollicitations à jouer, mais déjà, derrière l'apparente structuration de la composition, je ressens un trouble.

Jacqueline Taïb propose des perspectives apparemment évidentes. Apparemment, car mon regard, à l'instar des personnages secoués par le manège dans la toile présentant une grande roue, est rapidement balloté d'un plan à un autre, tous finissant par se confondre. Par son choix d'une prise de vue décalée, Jacqueline Taïb, qui travaille à partir de relevés photographiques, m'inclut totalement dans la scène.

Plus tard, je suis les pas d'une mère et sa fille arpentant les allées de la fête foraine. Dans "Asile", la notion d'"hors-sol" est celle de l'immigration. Le voile renvoie tant au déracinement qu'à l'apparition d'un ailleurs. Jacqueline Taïb peint avec la complicité du cadrage qu'elle propose. Le t-shirt porté par l'homme qui fait face à la mère et sa fille porte l'inscription "Brasil" mais seules les lettres "asil" sont données à voir...
Enfin, je retrouve, dans "Vultur", intensité des couleurs et aléatoire angle de vue, l'un provoquant mon regard, l'autre se jouant de mes repères.
Ainsi, partant d'instants éphémères captés à la Foire du Trône, Jacqueline Taïb m'emmène loin des lieux communs. Au-delà des images connues de tous, elle m'embarque dans un espace où les perspectives déstructurées offrent, dans une profusion de couleurs, une part d'étrangeté inattendue.

Photos courtoisie Galerie La Ferronnerie.

A toi de voir...
Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Exposition "Hors-sol"
Galerie La Feronnerie
du 04/09/2008 au 04/10/2008
40 rue de la Folie-Méricourt
75011 Paris
www.galerielaferronnerie.fr

Les vacances de Mr Naïf

2008-08-03T17:35:00.004+02:00

A lire en écoutant : Coconut Records - West Coast

Cher lecteur,

Pendant plusieurs mois, mon oeil s'est baladé à la découverte d'artistes plus ou moins reconnus, de discrètes galeries en renommés salons, de street-art en pop-art, de saisissantes photographies en douteuses installations. Aoûtien, je m'autorise à reposer mon regard sur les boîtes en coquillages du Pouldu, l'hapalémur gris du lac Alaotra, à moins que je n'opte pour les courses de waka. Mais sois rassuré, je serai de retour pour la rentrée.

A toi de profiter...

Merci au Front Populaire et à Martine.

Oeil Naïf & Regard Averti rencontre Gabriel Léger

2008-07-20T17:28:00.024+02:00

A lire en écoutant : Valenki

Gabriel Léger est un artiste. Gabriel Léger, par sa mère, est russe.

Si nous étions en 1865 et que je dusse t'envoyer un télégramme pour te narrer ma rencontre avec Gabriel, voilà les mots que j'aurais employés. Pourtant, ces mots ne suffisent pas car il est généreux et notre échange a duré trois heures. Trois heures de plongée dans les eaux de la Russie des gangsters, des poètes et des icônes. A propos d'icônes, elles sont à l'origine de la vocation de l'artiste. Enfant, c'est en accompagnant sa mère à des cours de peintures d'icônes qu'il commence à dessiner. Deux décades plus tard, mon oeil naïf croise le chemin de Gabriel au vernissage du Salon d'Art Contemporain de Montrouge édition 2008 et mon regard averti reste fasciné par le torse tatoué d'une femme, exposé par l'artiste à cette occasion ("Impossible de m'échapper"). Rendez-vous est pris pour une rencontre.

Formé à l'Ecole Nationale des Arts Décoratifs après un passage par Penninghen, Gabriel Léger a été illustrateur et graphiste. Optant pour sa liberté en refusant tout ordre impérieux, Gabriel reste un artiste ; sa véritable richesse se trouve au bout de son fusain.
Le fusain, il le manie avec dextérité pour réaliser des oeuvres dont l'univers n'appartient qu'à lui, même s'il est profondément marqué de l'empreinte de la Russie.
Les oeuvres interpellent par leur dualité : le Noir & Blanc attire par sa sobriété tandis que le foisonnement de détails intrigue par son mystère. Je revêt ma casquette de Sherlock Holmes, décidé à en apprendre davantage sur l'artiste.

Le sceau des tatouages
En pénétrant dans le lieu où les "délits" artistiques sont commis, je suis accueilli avec simplicité par un Gabriel Léger disposé à tout dévoiler. Il m'immerge immédiatement dans une culture pour laquelle je dois avouer une totale méconnaissance, celle des tatouages des truands russes. Mon hôte me raconte cette véritable tradition des assassins, souteneurs et mafieux. Le tatouage, m'explique-t'il, est la biographie complète du malfrat, le plus souvent réalisée dans les prisons.
Il retranscrit ses faits d'armes et comporte des informations à travers l'utilisation d'images symboliques, a priori familières : un tigre, des dômes, des femmes nues ou un portrait de Lénine ("Destin").

En réalité, ces allégories constituent un langage réservé aux initiés ; ainsi, le tigre est le signe du parrain et le nombre de dômes correspond à celui des années passées en prison.
Mais Gabriel est entier et c'est bien toute une culture qu'il me transmet. La musique en fait partie ; calant un CD, il me donne à écouter des chansons populaires russes ancrées dans la tradition de gangsters. J'écoute ces voix profondément masculines portées par un rythme langoureux. Alors que Gabriel me parle de Vladimir Vissotsky, authentique barde russe et subjuguant acteur-chanteur avec quelque chose de Jacques Brel dans l'interprétation, je devine, dissimulé derrière la retenue et la discrétion de celui qui me reçoit, son évidente entièreté. Riche de ces informations pour poursuivre mon enquête, je retrace avec lui ses cheminements artistiques.

De la lettre aux histoires
D'abord, je feuillète l'abécédaire. Russe, évidemment. Les 32 lettres sont illustrées par des aquarelles à l'expression naïve, d'où surgissent sujets populaires dans une profusion de détails. La dérision ("le cirque") se mêle à la volupté ("la femme") avec des présences allégoriques. Dans cet abécédaire, l'importance de la chose écrite se manifeste déjà.

L'artiste évoque ensuite son goût pour les matériaux naturels. Le bois du cadre, celui devenu pâte à papier ou fusain par combustion sert d'abord à ses premiers portraits d'archétypes. Figures emblématiques de la Russie, le prêtre orthodoxe ("Alexander Men") et l'ouvrier ("Young man") sont représentés dans une forme totémique. La fatalité est marquée au fusain. Par son attitude résignée, l'ouvrier a le destin scellé par sa condition ; celui du prêtre Alexander Men (1935-1990), qui sera assassiné, est symbolisé par la main de Dieu, la hache qui pointe en direction de son crâne et son front sali par les empreintes du meurtrier.

Le sens du tragique est exacerbé dans le portrait de Vladimir Maiakovski (1893-1930). Le poète, fondateur du futurisme russe, apparaît statufié malgré la profondeur de son regard. J'ai le sentiment de découvrir une pièce-maîtresse dans le parcours artistique de Gabriel Léger. Bien sûr, la notion de destin reste omniprésente par l'inscription d'une étoile filante et un véritable pistolet dirigé vers le coeur du poète, qui se suicidera d'une balle à l'âge de 37 ans. Mais déjà, les tatouages font leur apparition. Sur le mur, est gravé le dernier poème de Maiakovski.

Suit alors la série "Criminal tatoos" où torses ("Impossible de m'échapper", "Destin") et main ("Amour et Mort") sont tatoués selon les codes des gangsters russes. Je suis en particulier attiré par "Saint-Georges" où un torse encadré tel une icône porte le tatouage de Saint-Georges, saint des saints au panthéon russe orthodoxe. Une fois encore, Gabriel est loquace quant à la culture russe. Il me parle de l'importance de Saint-Georges ; ce dernier, symbolisant la victoire sur le démon (le dragon), est protecteur de l'armée. Il est représenté sur le blason de la ville de Moscou et tatoué sur les corps des criminels (le dragon figurant la police). Une fois encore, Gabriel reste discret quant à son art. Mais je te le dis, Gabriel Léger traite les corps dans tout leur volume, leur creux et leur texture. Il les grave de tatouages qui, bien qu'issus d'une documentation approfondie et servant à créer des histoires, conservent leur intriguant mystère et leur sens du tragique. Ses représentations, véritablement graphiques, peuvent être parfois comparées à des photographies prises dans une morgue. Leur structure en plusieurs panneaux dessine une croix renvoyant à l'importance de la religion dans la culture russe, mais il s'agit aussi de la fenêtre à travers laquelle l'artiste observe la Russie, conservant la distance du regard qu'il pose sur elle.

A l'issue de cette rencontre, Gabriel Léger a tenu sa promesse de m'introduire "en douceur à un petit bout de Russie qu'(il) aime et qu'(on) ne (lui) enlèvera pas". De sa collection d'ex-voto à son goût pour les oeuvres de Neo Rauch et Mikhaïl Chemiakine, j'ai découvert un artiste dont le sens du partage ne fait pas doute. Sans compromission et avec exigence, Gabriel Léger crée son propre univers.

Questionnaire naïf et Réponses averties

Oeil Naïf : "Un pays, une ville ou un monument pour définir tes oeuvres?"
Gabriel Léger : "Rien de tout cela, mais plutôt une vieille cabane perdue, en bois, et recouverte de graffiti au charbon. Mes œuvres ne ressemblent pas à ça maintenant, mais j'aimerais m'en approcher."
O.N. : "Un film dans lequel tu aimerais voir tes oeuvres ?"
G.L. : "Dans un documentaire sur le Guggenheim, ce serait parfait."
O.N. : "Une musique pour illustrer tes oeuvres ?"
G.L. "Les chansons de prison russes. Mais là, c'est vraiment illustratif. Je travaille toujours en musique, mais pas obligatoirement avec ce genre de chansons."
O.N. : "L'endroit où tu aimerais voir exposer tes oeuvres ?"
G.L. : "Ailleurs que chez moi en tout cas; un chef d'œuvre dans un tiroir ne sert à rien… une œuvre doit être vue."
O.N. : "Si tu devais être l'une de tes oeuvres ?"
G.L. "La prochaine! Quand une œuvre est terminée, elle se détache irrémédiablement de vous. Il n'y a que la prochaine qui vous intéresse."
O.N. : "La personne qui t'a donné l'envie de dessiner ?"
G.L. : "Ma mère…"
O.N. : "L'artiste que tu aimerais ou aurais aimé rencontrer, que lui dirais-tu ?"
G.L. : "Devant les gens exceptionnels il vaut parfois mieux fermer sa gueule et savoir écouter."
O.N. : "Une oeuvre que tu aimerais avoir chez toi ?"
G.L. : "J'en ai déjà trop, il n'y a plus de place."
O.N. : "Un proverbe, une phrase fétiche ?"
G.L. : ""Il y a plus de choses dans la terre d'un tableau que dans le ciel de la théorie esthétique" d'Asgern Jorn."
O.N. : "Un mot sur le marché de l'art contemporain ?"
G.L. :"Comme tu dis, c'est un marché comme un autre. Ca achète, ça vend."

Gabriel Léger a récemment reçu une Bourse de la Fondation Camargo et ses oeuvres seront présentées à la vente aux enchères organisée par Pierre Cornette de Saint Cyr, au Salon de Montrouge le 11 octobre 2008.
http://gabrielleger.com/news.html

Inventaire à la Prévert

2008-07-05T19:21:00.017+02:00

A voir en écoutant : Dntel - These Days (People Press Play remix)

Cher lecteur,

le top départ est donné. Nous entendrons désormais la sempiternelle litanie de Bison Futé et le continuel refrain de nos hommes-troncs du Vingt Heures évoquant les juilletistes et aoûtiens déplacements. Il est une communauté qui a effrontément décidé de ne pas choisir son camp : elle sera autant intégrée à ceux-de-juillet que mêlée à ceux-d'-août. Je parle évidemment des bienheureux galeristes. Ainsi, profitant de cette trêve mais ne doutant pas que ta curiosité sache résister à l'outrageant appel à la torpeur des plages de Mandelieu-la-Napoule ou de Banyuls-sur-Mer, je prendrai le temps de te faire partager mes échanges avec un artiste dont les oeuvres m'ont interpellé.

Dans l'attente de cette rencontre, je choisis, pour clore la première saison de mon oeil naïf au pays tantôt enthousiasmant, tantôt décevant, voire franchement agaçant des galeries, l'exposition "Featuring" proposée par la Galerie Chez Valentin. Pourquoi ce choix ? Parce que des équerres, un alphabet, un tract surréaliste, des stores vénitiens, une initiale. Parce qu'un bronze, des couvertures de revues, un croquis. Parce que Max Ernst, Matthew Brannon, Man Ray, Ryan Gander, Francis Picabia. Bref, pour l'inventaire à la Prévert qui m'est donné à découvrir. La galerie a d'ailleurs l'heureuse idée de n'adresser aucun dossier de presse, enjoignant ainsi le visiteur à prendre sa propre mesure de la résonance entre dadaïstes artistes du XXe siècle et jeunes artistes du débutant XXIe.

En franchissant le seuil de la galerie, je suis accueilli par la plaisante équipe du lieu - il faut le souligner - mais également par l'"Alphabet pour Adulte" de Man Ray (1890-1976). Bien que l'oeuvre soit largement postérieure au mouvement, la plongée dans l'univers Dada et son esprit d'enfance peut commencer ; je profite alors de la délicieuse mise en bouche qui m'est offerte avant les plaisirs des congés payés rehaussés des saveurs des 35 heures. N'en déplaise aux fâcheux grincheux, je flâne, je musarde, pire, je commets l'outrage de glander dans une totale improductivité pour laisser mon esprit vagabonder au fil des 36 lithographies. En apparence enfantins, les traits de Man Ray sont ici efficaces et subtils. Le plaisir est d'abord visuel : le mot "Doigt" est illustré dans les deux sens, le mot "Yeux" figure sur un visage à la place du nez. La dérision, quant à elle, se cache dans le mot "Avoir" où une main en agrippe une autre détenant avidement une perle.

Plus tard, c'est l'esthétique graphique de Matthew Brannon (né en 1971) qui me séduit ; sa série de machines à écrire dissimule derrière une rigoureuse cohérence la potentialité d'un dysfonctionnement. La géométrie des machines et la typographie 70's laissent ensuite place à l'émotion : des tasses de café sont déplacées au fil des pièces, une main-squelette apparait, des ratures font une intrusion dans des textes qui, dans leur contenu, suggèrent l'émergence d'une crise.

J'appréhende ensuite une nouvelle expérience émotionnelle au travers des toiles de Francis Picabia (1879-1953). Dans "Nu assis", la nature se fait mer mousseuse et sable irréellement lisse ; la femme au premier plan s'inscrit dans une perspective perturbée. Au-delà des couleurs datées, la scène renvoit à une sérénité instable.

Un autre dérangement est présent dans l'"Homonculus" de Mathieu Mercier. L'homme qui m'est présenté dispose de membres disproportionnés. Alors que ses mains, sa bouche et ses oreilles relèvent du gigantisme, son torse et ses bras sont frêles, voire fragiles. En m'approchant, je constate l'absurdité : finalement, dans ces rapports d'échelles, les parties du corps puissantes, au prime abord, dans leur démesure, se révèlent dans tout leur encombrement inutile.

Ainsi, d'une photographie de Denise Collomb (1902-2004) à la douceur comique, aux équerres de Matthew Smith (né en 1976) formant un "salut" ironique, mon oeil naïf passe du jeu, au graphisme, du graphisme à l'émotion et de l'émotion à la déconstruction. Dans sa déambulation d'une époque répondant à l'autre, il préfère peut-être le jeu des "Anciens".

A toi de voir...

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Exposition "Featuring"
Galerie Chez Valentin
du 09/07/08 au 25/07/08
9 rue Saint Gilles
75003 Paris
www.galeriechezvalentin.com

Liberté alternative

2008-06-30T09:39:00.018+02:00

A voir en écoutant : Le Tigre - Deceptacon (DFA Remix)

Cher lecteur,

que faire de sa liberté ?
Cela aurait pu être un sujet du Bac Philo cuvée 2008, c'est en fait la question qui me taraude alors que je me dirige vers la galerie la B.A.N.K. pour assister au vernissage de l'exposition "FORW>RD 2". La galerie située au 42 rue Volta et Redux, revue "alternative" de création (as-tu remarqué qu'il est désormais inconvenant de ne pas être alternatif ? force est de constater qu'il devient difficile de comprendre de quel mainstream ces alternatives visent à se distinguer tant elles deviennent elles-mêmes une institution), la galerie et la revue, donc, s'associent pour la 2e édition de FORW>RD et réunissent une vingtaine d'artistes français travaillant dans les domaines du graphisme, de l'illustration et des arts plastiques. Habitués à répondre à des commandes, que proposent ces graphistes et autres illustrateurs lorsqu'ils recouvrent toute liberté à l'égard des diktats du marketing et des tendances ? La question est posée.

Décidé à y répondre, j'éprouve d'abord la plus grande difficulté à pénétrer dans les lieux dont l'entrée est entravée par une foule qui préfère manifestement regarder l'exposition de l'extérieur (une manière "alternative" de découvrir les oeuvres ?), verre à la main et dress code portant fièrement le drapeau de la hype. Mieux que deux heures en compagnie de Sarah Lerfel ou Anna Wintour, je découvre en quelques minutes d'observation les trendy tendances : sac doré Chanel porté sur ravissante robe bleu électrique, mise en valeur par escarpins compensés vert bouteille permettant de gagner un bon mètre de hauteur et soulignés d'un vernis rouge passion, côté fille, stricte obligation de porter baskets blanches et denim japonais assorti d'un T-shirt sérigraphié-édition-limitée, côté garçon.

Je parviens finalement à entrer dans la galerie où nous sommes encore quelques-uns à préférer regarder les oeuvres à l'intérieur. L'impression première est celle d'un grand éclectisme inscrit dans de graphiques univers. Par la suite, plusieurs questions m'assaillent.

Hommages ou écrasantes références ?
La question reste ouverte à la vue de la conserve de Stéphane Kiehl. J'apprécie le graphisme de sa représentation d'une ville façon pixel-art où des éléments médiévaux côtoient une architecture moderne et dans laquelle une place réduite est accordée à la nature floutée par un écran de fumée bleue. Pourtant, je reste dubitatif devant sa boîte de conserve noire épinglée de médailles. Certes, je constate la recherche relative au support - quatre feuilles cousues entre elles donnant l'impression d'une maroquinerie - mais je ne peux m'empêcher de penser à la trop fameuse conserve de soupe Campbell d'Andy.

Concernant les oeuvres noir et blanc de Delarocca, le graphisme fait encore mouche dans le travelling opéré sur le portrait d'une jeune femme, travelling s'achevant sur un nez étrangement disproportionné. J'aime ici la dérision de Delarocca mais reste frappé par sa composition d'inspiration lichtensteinienne.

Provocation ou puéril discours ?
Dans "Vengeance", les animaux traitent les hommes comme des animaux. Ils les chassent, les mangent, les transbahutent ou les peignent. L'artiste est-il végétarien ? membre de l'ALF (Animal Liberation Front) ? ou rallié à la cause BBienne ? Une chose est sûre, son oeuvre pourrait illustrer la couverture de "La maltraitance animale expliquée à ma fille".

Guillaume Abdi, quant à lui, présente deux skates formant la Croix et saignant à l'emplacement des trous destinés aux trucks. Même la couronne d'épines n'a pas été omise. Faisant face, le prie-dieu est recouvert d'un tissu maculé de logos de marques de skateboards. Le skate, contre-culture et religion de nos enfants, donc. Je suis partagé ; l'oeuvre est frappante mais à choisir, je préfère la provocation d'un Maurizio Cattelan.

Ainsi, le talent graphique des artistes ne fait pas doute. En revanche, alors qu'ils sont ici dégagés des obligations de la commande répondant à des impératifs marketing, ces artistes restent sous influence des codes et de l'omniprésence du message, même simpliste.

Pourtant, un univers singulier parvient à émerger. Nawel peint des femmes à la peau d'un saisissant blanc laiteux contrastant avec les tissus, rendus ici à toute leur matérialité.

A toi de voir...

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Exposition "FORW>RD 2"
Du 26/06/08 au 26/07/08
La B.A.N.K.
42 rue Volta
75003 Paris
www.bankgalerie.com

La cinquième dimension

2008-06-22T15:09:00.023+02:00

A voir en écoutant : Lykke Li - Dance Dance Dance

Cher lecteur,

comme prévu contractuellement, l'été a commencé le 21 juin. Comme prévu par le Jack Lang way of culture, la fausse note a envahi, sans complexe, le moindre morceau de macadam. Comme prévu par l'observation des astres, l'équipe de France a désormais tout loisir d'occuper ses journées à découvrir les charmes de la Suisse et ses soirées à regarder d'excellents matchs de football. Néanmoins, des indices m'invitent à penser que, malgré cette apparente normalité, nous avons franchi les portes de la quatrième dimension : un homme, pas très blanc, avec un prénom pas très catholique, en course vers la Maison Blanche, l'album de Carla B. S. classé Disque Inter et Jean-Claude Van Damme qui devient acteur dramatique...

Allant jusqu'à me faire violence pour accepter l'idée d'un ex-Premier Ministre déclamant des vers sur scène, je m'acclimate peu à peu à cette quatrième dimension lorsque je traverse le porche menant à la galerie e.l Bannwarth. Là, stupéfait, je fais la découverte qu'une cinquième dimension existe, celle proposée par Julien Tran Dinh dans l'exposition "Merveilleux".

Des femmes à tête de rhinocéros ("I See Pool"), des hommes à tête de cerf ("Oh My God !") ou encore des arbres à tête de mort ("Beasty Messenger and the Beauty") habitent un univers apocalypto-onirique.
La tension réside dans la confrontation entre le graphisme épuré des décors et les éléments qui viennent le perturber. Alors que les bâtiments et les paysages sont inscrits dans une géométrie ordonnée et lisse, des nuages de fumée, des rochers volants et un sol craquelant dérèglent cette apparente harmonie.

Dans ces lieux, surgissent des personnages surréalistes, comme sortis d'un rêve. L'homme-cerf marche sur l'eau, l'homme-loup exécute une figure avec son vélo tandis qu'un arbre à tête de mort lance un rayon-laser rose. Ici, fiction et fantastique se mêlent.
Je rentre dans les toiles de Julien Tran Dinh comme dans un conte de fées contemporain et recherche les indices d'une histoire qui m'est racontée. J'y suis bousculé entre burlesque des scènes, esthétique empruntée à la bande-dessinée et tension latente. Je m'interroge sur l'événement qui a pu mener à cette absurde apocalypse.

Une identique loufoquerie marque les dessins réalisés au stylo bille où des hypeuses posent en compagnie de leur ami gorille tout droit sorti d'un jeu-video (série "My Best Friend"). Un peu comme si Karl Lagerfeld posait en gilet de sécurité...

A toi de voir...

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Exposition "Julien Tran Dinh - Merveilleux"
Du 20/06/08 au 18/07/08
Galerie e.l. Bannwarth
68 rue Julien Lacroix
75020 Paris
www.galeriebannwarth.com

Quelque chose en lui de Raymond Carver

2008-06-15T01:13:00.021+02:00

A voir en écoutant : Duke Ellington and John Coltrane - In A Sentimental Mood

Cher lecteur,

et si nous nous intéressions aux petites gens ? Ma proposition te surprend? Et pourtant, cela nous ferait du bien. Je suis lassé, fatigué, épuisé, à défaut d'être irrité par ce qui préoccupe nos éditorialistes. Moi qui préfère la sécurité d'un livret A à un all in sur l'action Total, je suis prêt à parier avec toi que, si la situation persiste, nous entendrons prochainement une cohorte de journalistes qualifier de Vatican II l'éviction du présentateur moumouté de la messe du Vingt Heures ! Bien entendu, ou plutôt pas entendu du tout, le moindre mot sur l'arrêt du "Bateau-Livre" ; évidemment, Frédéric Ferney, dans son émission, donnait à lire, réfléchir et s'évader autrement que par le biais des Ch'tis : trop dangereux pour notre démocratie, cette tentative, aujourd'hui tuée, de cultiver notre esprit.

Irrité donc, je trouve refuge dans la galerie Kamchatka pour son exposition "Attentes" d'Adrien Lécuru. Déjà, le mot "Attentes" commence à faire son effet. Ma respiration, malmenée par le blablatage ambiant, retrouve son rythme apaisé. Je découvre ensuite avec bonheur la série présentée par un artiste qui canalise mon regard sur l'homme. Loin, très loin de l'homme-people et de l'homme-qui-se-lève-tôt. Ici, il s'agit de l'homme-humain, espèce que l'on pourrait croire en voie de disparition et qu'Adrien Lécuru nous permet de redécouvrir. Les petites gens justement, au sens noble évidemment, ceux de Raymond Carver, hommes et femmes ordinaires inscrits dans un univers intérieur.

A l'instar de l'écrivain au top 5 de mes auteurs favoris (mais tu t'en fiches), Adrien Lécuru se distingue par l'économie de ses oeuvres qui les rendrait presque surréalistes. Le piège du cliché (notamment dans les toiles présentant un clochard -"NationMan"- ou un petit garçon -"Boy"-) se trouve totalement déjoué par la sobriété. Alors que je pense d'abord regarder des portraits "objectifs" de femmes ("Marguerita" et "Jeanne") ou de fou ("BièreMan") dans des environnements épurés (un banc ou une chaise, une station de RER ou un parc), je découvre en m'approchant que ces réalités sont proposées dans toute leur sensibilité. Pas mièvre mais subtile, cette sensibilité. Les regards des personnages sont vagues ; la position de leurs corps semble être imposée par leur esprit en vagabondage : la résignation du condamné enfoncé dans sa chaise dans "Guantanaberg", la léthargie de l'ivrogne dans "NationMan", la rêverie d'une "Jeanne" alanguie, à moins que ce ne soit de l'abattement ?

Et c'est justement ce qui me plaît dans la série présentée par Adrien Lécuru ; chacun peut se raconter son histoire. Bien sûr, le titre de l'exposition révèle que le dénominateur commun est l'attente. Bien sûr, tous les personnages apparaissent isolés, dans un mystérieux repli. Mais là où je vois un fou ("BièreMan") peut-être verras-tu un homme simplement esseulé.

En opposition à ces anonymes, accrochés au-dessus d'eux, je découvre des portraits d'hommes publics (la médiatisation élèverait-elle ?). Contrairement à "ceux d'en-bas" dont le corps nous est livré entier, Xavier Bertrand ou Jules-Edouard Moustique apparaissent dans "Tryptique bleu" en hommes-troncs sur fond bleu télégénique. Et pourtant, eux aussi sont seuls.

Adrien Lécuru part de photographies découvertes dans la presse, de personnes de son entourage ou prises à leur insu dans la rue mais il n'impose aucune version. Finalement, je quitte l'exposition un peu plus libre...

A toi de voir...

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Exposition "Attentes - Adrien Lécuru"
Du 07/06/08 au 10/07/08
Galerie Kamchatka
23 rue Charles V
75004 Paris

Guitar heroes

2008-06-08T20:18:00.015+02:00

A voir en écoutant : The Seeds - Can’t Seem To Make You Mine

Ca commence par "Jeux interdits", avec hésitation, les doigts pincent les cordes ; ça se poursuit avec "Layla", un soir d'été, sur les quais de Seine, à 16 ans, première sensation vertigineuse d'être devenu un roi devant le regard enamouré des jeunes filles ; ça explose en "Voodoo Child", seul, devant la glace, avec hochements de tête et imaginaires ovations.

Où trouver les origines de cette fascination pour la guitare ? Je peux choisir la version pragmatique : la guitare, c'est léger, pas cher, pas encombrant (il est effectivement plus difficile de traîner son piano, un soir d'été, sur les quais de Seine, à 16 ans). Mais je choisis d'opter pour la version poétique : la guitare, c'est des courbes, des volumes, "Stairway to heaven", "Smoke on the water", "Smells like teen spirit", des mots doux comme Fender, Martin ou Gibson. Ex-joueur de guitare (n'est pas guitariste qui veut) ayant relégué ton instrument au sommet inaccessible de ton armoire, ou ex-jaloux du joueur de guitare (cf le regard enamouré des jeunes filles), je t'invite à te rendre à l'exposition "My Generation" de la Galerie Laurent Strouk présentant les peintures d'Ivan Messac sur le thème de... la guitare.

D'abord, parce que j'aime Ivan Messac, 20 ans en 1968, et que nous devons le venger de ne pas figurer dans l'exposition du Grand Palais consacré au mouvement de la Figuration Narrative dont il est issu. Aussi décomplexé que mon oeil naïf, Ivan Messac a l'audace de ne pas se limiter à un art : il est peintre, sculpteur, parfois romancier (pseudo : Xavier Mariani).
Ensuite, parce que l'exposition est l'occasion de plonger avec délice dans une heureuse nostalgie. L'enfant du Pop Art qui puise son inspiration dans le quatuor BD-photo-ciné-pub, traduit l'énergie et l'attitude de nos guitar heroes par son travail sur la couleur, proposant une autre approche de la réalité.
En prenant le temps (prendre le temps, dernier luxe de l'époque?) devant John Lee Hooker "Boom boom", tu prends la mesure du talent d'Ivan Messac. Chaque couleur tient le rôle principal comme Louise Brooks dans "Une fille dans chaque port" -si tu m'autorises une anachronique analogie cinématographique-, mais chaque couleur est également partie intégrante d'un film-chorale, tel Gene Kelly-Debbie Reynolds-Donald O'Connor-Cyd Charisse dans "Singin' in the rain".

En effet, l'orange des guitares qui entourent la tête de John Lee Hooker sert à auréoler, au sens propre, l'icône du blues ; le bleu qui dessine sa silhouette impose le musicien en véritable maître, droit dans son costume ; le fond vert, enfin, lui confère son caractère unique, il l'isole (l'artiste face à la foule ? le Noir face aux Blancs ? ou le précurseur face aux plagiaires ?). L'ensemble oblige au respect et je te l'avoue, je suis intimidé devant ce portrait.

Par ailleurs, le style "pochoir" n'empêche pas Ivan Messac de retranscrire la facétie de Chuck Berry avec son oeil qui frise ("Sweet little sixteen"), la lunaire dérision de Robert Smith ("Boys don't cry"), l'étrangeté d'un Lou Reed à tendance Frankensteinienne ("The blue mask") ou encore la mystérieuse intériorité de Bob Dylan inscrit dans une guitare ("Knockin'on heaven's door").

Dans ses toiles en apparence fort semblables (des couleurs, des guitares, un musicien), Ivan Messac distille des détails qui accordent à chaque oeuvre, et par conséquent à chaque artiste portraituré, une identité propre.

Je retrouve des éléments connus, à l'instar de la banane du Velvet pour Lou Reed, du Love Symbol de Prince (50 ans depuis peu ; cela signifie-t'il que, moi aussi, je vieillis !) ou des blue suede shoes de Carl Perkins ("Blue suede shoes").
Pour des raisons personnelles, je vote pour Bruce Springsteen ("Blinded by the light"). Le Boss apparaît dans toute son effervescence rock : je constate le corps arqué sur sa Telecaster, j'aperçois la sueur du musicien, manches de chemise retroussées, qui se refuse à toute économie et je devine la foule transportée.

Ce texte est dédié à Elfi, avec le souvenir du poster de Bruce Springsteen.

A toi de voir...

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Exposition "Ivan Messac - My generation"
du 30/05/08 au 28/06/08
Galerie Laurent Strouk
8 bis rue Jacques Callot
75006 Paris
www.popgalerie.com

Entre deux Indes

2008-06-01T16:14:00.015+02:00

A voir en écoutant : Can - Pinch

Du haut de mon oeil naïf, l'Inde est à l'image de la sauce Massala : un mélange détonant d'épices, un contradictoire syncrétisme entre tradition et modernisme. J'ai à l'esprit les chamarrés saris, les énigmatiques castes, la démesure des temples, l'extravagante beauté du Taj Mahal, l'hippiesque Pushkar et le cheese nan. Mais l'Inde me renvoie également au génie informatique, à sa récente conquête de l'espace, à la voiture low-cost Tata (1.820 euros, roues comprises) et à la prolixe industrie cinématographique de Bollywood. Drôle d'inventaire dans lequel Gandhi se perdrait...

Fort de ces apriori et faible de ma méconnaissance de l'art contemporain indien, je saisis l'occasion de l'exposition "New Indians" à la Galerie Natalie Seroussi pour découvrir l'un de ses artistes : Chintan Upadhyay.
Au premier regard, le dualisme me surprend ; je découvre des couleurs et des formes identifiables à l'Inde ancestrale en contradiction avec les factices bébés mutants.
Les toiles sont toutes identiques : de grands rectangles au fond uni sur lequel se détachent des bébés clonés.

Le fond est un aplat dont l'intense uniformité de la couleur suggère l'isolement du bébé. Chintan Upadhyay retranscrit par ce biais la solitude de l'être contemporain dans les villes surdimensionnées, modelées par les nécessités économiques et sans souci des aspirations de l'humain. L'expérience semble avoir été celle de l'artiste, originaire du traditionnel Rajasthan et ayant migré vers l'étourdissante Bombay. Sur la toile, le détail récurrent de l'ombre du bébé renforce l'isolement ; le clone est incrusté dans sa solitude.

Les bébés, véritables robots, sont semblables d'une toile à l'autre. La référence au transgénisme et au clonage est évidente. La société qui apparaît sous les pinceaux de l'artiste est une nouvelle réalité du monde, une "hyper-réalité" qui, par son excès, s'éloigne finalement du réel. Les clones n'ont pas d'identité propre ; ils sont sans substance. Seuls les extraits des peintures miniatures du Rajasthan et des images du Kama Sutra tatoués sur leur corps leur imposent une personnalité. Je m'interroge : l'artiste serait-il le seul aujourd'hui à traduire la diversité dans un environnement où prime la rassurante uniformité ?

A toi de voir...

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Exposition "New Indians - Chintan Upadhyay"
Du 29/05/08 au 29/06/08
Galerie Natalie Seroussi
34 rue de Seine
75006 Paris

Casablanca, sans Rick et Ilsa

2008-05-25T03:28:00.019+02:00

A voir en écoutant : Chemical Brothers - Galvanize

Cher lecteur,

je le suspecte, je le sens, je le sais : tu m'en veux. Il est vrai que je t'ai habitué à une missive hebdomadaire ; il est vrai que j'ai failli à cette régularité (tu noteras tout de même que c'est seulement la deuxième fois depuis notre rencontre) ; mais il est vrai, aussi, que j'ai une excuse indiscutablement irréfutable.
Je m'explique : invité au mariage de J. et M. à Marrakech (oui, j'ai des relations), je pense m'envoler vers la ville ocre. Alors que je survole déjà les Causses du Quercy, je constate que mon empressement à me bâfrer de cornes de gazelle et de pastilla m'a fait embarquer dans l'avion en direction de Casablanca ! Si encore je m'étais trompé pour atterrir à Rabat et profiter du festival qui accueille George Benson et Whitney Houston (bientôt, le Maroc, ce sera l'Amérique). Mais non, il faut que je tombe sur la ville qui a vu naître Arthur, Bernard Montiel et Richard Virenque ! Eu égard à l'estime que je porte aux Casablancais, je dois tout de même préciser qu'Alain Souchon et Larbi Benbarek - pour les incultes, ce Monsieur détient le record de la plus longue carrière en équipe de France, de 1938 à 1954 - y sont également nés.

Entre deux thés à la menthe sirotés à la terrasse de Chez Paul (soucieuse du déficit de la Sécurité sociale, je pense faire prochainement circuler une pétition pour qu'une terrasse semblable soit créée à Paris, stoppant ainsi irrémédiablement la consommation de Prozac par mes concitoyens), je profite des façades Art Déco de la ville et de son Mégarama qui possède le 2ème plus grand écran de cinéma au monde, après L.A. (quand je te dis que le Maroc, c'est l'Amérique !).
Néanmoins, attaché à notre relation et aux promesses que je t'ai faites, je me fais un devoir de me rendre à la Galerie Memoarts pour son vernissage de l'exposition "Quatre peintres russes au Maroc - Paysages de là-bas et scènes d'ici" présentant les oeuvres de Valery Boussyguine (né en 1952), Eugeni Bourmakine (né en 1951), Irina Plekhanova (née en 1969) et Maryna Vidinyova (née en 1975).

Au fil de nos échanges, tu as pu découvrir mes sensibilités. Il est vrai que les romantiques paysages n'ont pas mes faveurs. Cependant, l'exposition doit être visitée pour l'originalité de son propos : la présentation concomitante d'académiques peintures de paysages de Russie et d'hyper-réalistes (sic) peintures de scènes de la vie quotidienne marocaine, chacun des thèmes étant traité par les quatre artistes. L'exposition donne ainsi à réfléchir à l'influence de l'environnement sur le travail de l'artiste.
La preuve par l'exemple avec deux oeuvres de Valery Boussyguine : ses "Premiers jours de printemps" contrastent avec son "Jour torride".

Dans le premier, les prémices du printemps russe s'annoncent dans un paysage sans limite où la luminosité diffuse renvoie à une intemporalité dans laquelle l'humain n'a pas sa place. L'horizon domine.

Dans le second, au contraire, la scène est cadrée et le mur est l'élément qui impose à mon regard de se concentrer sur les trois personnages ; le travail de l'ombre et la lumière y traduit l'écrasante chaleur. L'humain et les détails de son quotidien dominent.
Ainsi, l'influence de l'environnement est manifeste pour ces quatre peintres qui adressent une vision romantico-lyrique de la Russie et observent avec une curieuse minutie les détails du Maroc, rendant ainsi familier un pays qui leur est étranger.

A toi de voir... et revoir Casablanca, Humphrey et Ingrid.

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Exposition "Quatre peintres russes au Maroc - Paysages de là-bas et scènes d'ici"
Du 20/05/08 au 02/06/08
Galerie Memoarts
51 rue Abdelkrim Diouri
Casablanca
www.memoarts.com

Morceaux choisis de Saint-Germain

2008-05-11T16:36:00.034+02:00

A voir en écoutant : Kiiiiiii - 4 Little Joeys

Pour commencer, une devinette : le point commun entre les Encyclopédistes, Marat, Danton, Sartre, Vian, Gréco, Truffaut, Prévert, Giacometti et maman ? Je t'entends déja appuyer sur le buzzer : Saint-Germain-des-Prés !!

Je pensais que nous n'irions plus jamais à Saint-Germain-des-Prés en raison de la délibrairisation (sic) du quartier, de son déclin en empire américain et de sa transformation en vilain supermarché de luxe.
Néanmoins, confessant mon ancrage à gauche (je parle de la rive), je pars, armé de ma seule opiniâtreté, à la recherche d'un éventuel appétit créatif qui aurait survécu. La tâche se révèle d'autant plus ardue qu'après avoir fait sa Callas, le soleil est enfin de retour. Alors que toi, lecteur, tu profites outrageusement des bords de Seine, des plages du Vieux-Boucau-les-Bains, des rives du lac Michigan, des côtes de Kyushu ou des berges du Spree, je dois refuser toute tentation de siroter un thé glacé sur le Pont des Arts pour accomplir ma mission.

Au coeur de Saint-Germain, mon oeil naïf est pris en flagrant délit de honteuse facilité : il est attiré par la vitrine de la Galerie Laurent Strouk où un homme bleu porte le fameux "radiant baby" de Keith Haring (1958-1990) -certes, l'exposition sera achevée quand tu liras ces lignes mais il m'est impossible de ne pas te la faire partager-.
Je reconnais ma faiblesse ; j'ai en tête les images percutantes des produits dérivés à l'excès, les t-shirts, les mugs et autres calendriers, lorsque je franchis le seuil de la galerie. Finalement, face aux oeuvres, le merchandising cède la place à la réalité d'un travail artistique : les traits pourraient être qualifiés de simplistes, ils m'apparaissent plutôt primitifs et divulguent un message sans équivoque dont la compréhension est immédiate.

J'entends certains se gausser : "ça ressemble à ce que mon petit dernier a dessiné pour la fête des mères" ; eh bien, il faut l'inscrire immédiatement aux Beaux-Arts, le petit dernier, si son tracé est aussi direct, fluide et véloce que celui de Keith Haring. Enfin, bien que les oeuvres de l'artiste soient totalement identifiables, elles n'en sont pas moins diverses, que ce soit dans la représentation ("Andy Mouse", 1985 et "Dog", 1986), ou dans la forme (peinture, sculpture, masque).

Quittant la Galerie Laurent Strouk, je m'aperçois que le baobab dans ma main photosynthèse grâce au soleil et se sentirait mieux, arrosé d'un diabolo-menthe à la terrasse de la Palette. En me dirigeant vers mon oasis, je suis attiré par une cible colorée dans la vitrine de la Galerie Natalie Seroussi. "La cible" justement, d'Evelyne Axell (1935-1972) : un homme et une femme, 70's, sont assis entourés d'une luxuriante végétation ; leur chevelure dessine une cible arc-en-ciel.

Je découvre le travail d'une artiste belge pop qui joue avec le plexiglas qu'elle colore à l'émail. Je suis alors transporté en pleine période hippie. Derrière les collages réalisés par l'artiste, je retrouve les couleurs typically seventies, les lunettes rondes à la John Lennon et les corps libérés (mai 68 est passé par là) représentés dans une simple et douce rondeur. Parmi les oeuvres exposées, je repère un collage en contraste avec les autres. M'approchant, je découvre une araignée menaçante aux couleurs de la bannière étoilée s'avançant vers le portrait d'une femme à la coiffure afro qui regarde au loin avec une sereine dignité ; je reconnais Angela Davis ("Angela Davis II", 1972).

Plus tard, c'est un autre portrait qui me saisit. Un homme noir, de trois-quart, me toise. Le cheveu et la barbe sont blancs. Le visage, baigné de lumière, est marqué par le temps. Le paysage est aride. L'attitude est digne et l'homme, magnifique. Je suis fasciné.
La Galerie du Fleuve présente les peintures de François Bard (né en 1959). A la féminité des oeuvres d'Evelyne Axell, s'oppose la masculinité de celles de François Bard.
Le format des toiles m'impressionne. Le vernis que l'artiste laisse couler date les toiles, qui semblent ainsi avoir été livrées aux éléments. L'arrière-plan, systématiquement horizontal, n'offre pas la moindre accroche ; le sujet s'impose donc au regard. En toute absurdité.

Absurde, la façon dont l'artiste s'empare d'éléments anecdotiques : un chien devant les jambes de son maître, un homme cadré des épaules aux genoux.
François Bard parvient à donner du poids, voire de la pesanteur, à cette absurdité par la densité de la peinture telle qu'il la travaille. Ses oeuvres, derrière leur apparente solidité, nous interrogent, à l'instar des écritures que l'on devine sur les toiles. L'art de François Bard réside en ce qu'il s'en tient à la question ; il nous livre une oeuvre brute, renvoyant l'observateur à une imaginative liberté.

Finalement, je reviendrai à Saint-Germain-des-Prés (n'ai pas eu le temps de faire les boutiques...).

A toi de voir...

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Exposition Keith Haring

Galerie Laurent Strouk
8 bis rue Jacques Callot

75006 Paris
www.popgalerie.com

Exposition Evelyne Axell
Galerie Natalie Seroussi
34 rue de Seine

75006 Paris

Exposition François Bard

Galerie du Fleuve
6 rue de Seine

75006 Paris

www.galerie-du-fleuve.com

Montrouge-Montrouge

2008-05-04T19:09:00.019+02:00

A voir en écoutant : Glass Candy - Etheric Device

Montrouge, 42.002 habitants, Sud-Ouest de Paris. Dans le passé, Montrouge s'étend au Nord jusqu'à Montparnasse ; au cours de l'histoire, elle perd 2/3 de sa superficie et ne s'étend plus que sur 207 hectares. Aujourd'hui, l'heure de la revanche a sonné : le 53e Salon d'Art Contemporain de Montrouge fait pâlir de jalousie les galeristes, de Tribeca au Marais.

Le vernissage du 22 avril est certainement l'un des événements majeurs de l'année (avec -je te l'accorde- le Festival de Cannes). Délicat champagne, goûteux sushis et subtils petits-fours sucrés ridiculisent la soirée du Martinez. Surtout, peintures, sculptures, photographies, videos, installations : tous les supports artistiques sont présents ; François Pinault et ses oeuvres n'avaient réellement d'autre choix que de s'exiler à Venise.

200 oeuvres de 200 artistes sont exposées dans une mise en scène optimale, sans thème ni orientation artistique spécifique. Le multiple est roi. Et pourtant...
Une sensation étrange s'empare de moi alors que j'arpente les deux niveaux du théâtre de Montrouge. Une sensation que je connais mais que je n'ai plus éprouvée depuis longtemps et que je peine à définir. Soudain, je peux la nommer : malgré mon pouvoir d'achat en berne, malgré le réchauffement de la planète et le refroidissement de nos relations avec la Chine, malgré la possible relégation du PSG en 2e division, j'ai retrouvé ludisme et vitalité, saupoudrés d'un brin de dérision. Bref, du plaisir.
Effectivement, de cette diversité, émerge un vivifiant foisonnement à dominante colorée qui surprend et fait du bien en ces temps de blues national.

Mon oeil est plus particulièrement attiré par les photographies et les peintures -serait-il conservateur ?- que par les installations (pseudo) conceptuelles : le tournant et pailleté planeur en modèle réduit me procure autant d'émotion que la lecture du Gavalda.

Ainsi, mon regard se dirige vers Johanna Blin (Repentir), Eun Hee Kim (Monologue), Stéphane Lamy-Rousseau (Epanouie), Eugénie Stéphanie Leigh (Chambéry autrement), Gabriel Léger (Personne ne peut m'échapper), Hye Rine Park (Un garçon, il voyage), Axel Sanson (Human decision required 03), Zijian Sha (8 heures du soir).
Définitivement, les jeunes créateurs rassurent quant à la vigueur de l'Art Contemporain.
A présent qu'il est clair que la visite du Salon s'impose, tu auras l'exquise surprise de découvrir les photographies peu connues du Dali de Draeger, véritable "maître" imprimeur d'art montrougien.

A toi de voir...

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

53e Salon d'Art Contemporain de Montrouge
Du 24/04/08 au 14/05/08
Place Emile Cresp
92120 Montrouge

Once upon a time, le graffiti...

2008-04-27T03:09:00.035+02:00

A voir en écoutant : Grandmaster Flash & The Furious Five - The Message

Cher lecteur,

une semaine s'est écoulée depuis que je t'ai annoncé mon renoncement à tout comportement écolo et mon ardent désir de retrouver les stigmates de la ville (cf le NB de ma précédente missive). Je suis donc enchanté de t'apprendre que mon retour aux sources s'est trouvé encouragé, stimulé et récompensé par la Galerie Bailly Contemporain. Des bombes de peinture, du graffiti, du tag, bref du Street Art, voilà ce que je me suis empressé d'aller retrouver lors du vernissage de l'exposition "Taguer n'est pas jouer".

J'entends déjà mon père s'étrangler : "quoi ?! ces dégradations de nos façades haussmanniennes et de notre métropolitain, c'est de l'art ?!". Pire, papa, elles sont désormais présentes dans les galeries et attisent l'intérêt de collectionneurs de plus en plus nombreux (aurais-je l'audace de te faire savoir qu'un mur sur lequel Banksy s'est exprimé a récemment été acquis pour un montant équivalent une collection de Rolex).
L'exposition "Taguer n'est pas jouer" offre une perspective historique du Street Art. Car le graffiti a une histoire.

Commençons par Martha Cooper, née en 1943 (comme papa).
Son travail de photographe reporter urbaine, présenté Côté Quai, donne à voir l'apparition de ce qui n'est pas encore un courant. Véritable anthropologue, elle capte, dans les années 70-80, des scènes de rue du Bronx : des enfants armés de bâtons, attitudes empruntées aux gangs, à ceux exécutant, sur un carton, les pas d'une danse encore inédite. Petite femme s'intéressant aux murs taggés et aux trains graffés, Martha témoigne de la genèse d'une expression spontanée. Son objectif saisit alors les traces éphémères de Basquiat et celles d'une communauté, encore circonscrite géographiquement et socialement.

Alors que les bibles de papa et ses amis sont "Le Capital" et le petit livre rouge (selon les sensibilités et l'appétence au col Mao), les bibles du hip-hop deviennent le film de Charlie Ahearn "Wild Style" et le livre de Martha "Spray can art", inestimable et incommensurable catalogue des figures et des styles aux sources du graffiti. Fort de cette représentation visuelle, le mouvement peut alors traverser l'Atlantique.

Poursuivons avec l'un des artistes français enfanté par "Spray can art" : Nasty.
En entrant dans la Galerie, côté Cour, je suis aussitôt transporté fin des années 80, ligne 4 ; les métros sont encore bleus, les tickets, jaunes et marrons, et sur le flanc d'une rame, je découvre les lettres N-A-S-T-Y.

Comme papa et ses amis ont abandonné le col Mao, les oeuvres de Nasty ont abandonné les coursives du métro pour les murs de la Galerie Bailly Contemporain. Le style, quant à lui, n'a pas changé : les panneaux directionnels du métro parisien exposés affichent le tracé fluide et efficace, les dégradés de couleurs et le lettrage représentatif des défricheurs du graffiti parisien.
Avec L'Atlas, on ne parle plus de la spontanéité du tag ni du graff mais de Street Art (Dinah Washington a fait place à Jamie Cullum) ; le lettrage calligraphié devient une esthétique sculpture sur bois.

Autrefois conspué (sauf par notre éternel ministre de la Culture, Jack L. -mais était-ce vraiment un bien pour le mouvement ?-), le graffiti peut désormais se targuer d'influencer des artistes contemporains émanant de circuits traditionnels : Luis Rodrigo Medina et ses toiles conçues à partir de rouleaux adhésifs et Gökce Celikel que je retrouve dans un autoportrait hip-hopesque.

Papa, à toi de voir...

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Exposition "Taguer n'est pas jouer"
Du 22/04/08 au 24/05/08
Galerie Bailly Contemporain
25 quai Voltaire
75007 Paris
http://www.galeriebaillycontemporain.com/
A découvrir également Nicolas Berthier, Jérôme G. Demuth, Antoine Gamard, Whan Nam Goong

Des chauves-souris et des hommes

2008-04-20T17:26:00.016+02:00

A voir en écoutant : The Space Project - Patterns

Cher lecteur,

ma décision est prise ; elle est irréversible, ferme et définitive. Désormais, mon tri sera sélectif. Désormais, mon alimentation sera macrobiotique. Désormais, mes pulls seront bio. Désormais, mes meilleurs amis seront Al et Leo.
Fort de ces résolutions, je pédale en direction du vernissage de la Galerie La Ferronnerie. Imagine l'aubaine pour le néo-écolo que je suis devenu : me pâmer, enfin, devant d'autres photographies que celles de la Terre vue du Ciel. En effet, de l'exposition "Etrange fascination", deux mots retiennent mon attention : la Finlande (son ancestral souci environnemental, son golfe de Botnie et ses saunas) et les chauves-souris (19 espèces classées dans la liste rouge de la faune menacée en France, tout de même). La Finlande, parce que la photographe, Sanna Kannisto, est finlandaise. Les chauves-souris, parce qu'elles sont le thème central des oeuvres exposées.
J'entends d'ici tes réticences : Batman, pourquoi pas ; mais de là, à trouver la part d'esthétique de ce mammifère à ailes membraneuses...
Et pourtant, les portraits de ces pipistrelles donnent à voir autre chose que le monstre de notre imaginaire collectif.
L'"étrange fascination" s'exerce grâce à trois aspects du travail de Sanna Kannisto.

La recherche. La position de l'artiste est identifiable à celle d'un chercheur. Dans "Droplets of nectar", la chauve-souris apparaît comme prise sous l'oeil d'un microscope. La prise de vue renvoie aux sciences naturelles par la minutie des détails et l'observateur de l'oeuvre se retrouve lui-même chercheur. Je me surprends à disséquer du regard les fines griffes, la langue tendue vers la goutte et les ailes façon toile d'araignée ou façon dentelle (selon ton humeur).
La série de six photographies présentant les chauves-souris se nourrissant de nectar dans une éprouvette offre une étude du mouvement des ailes : en cape, tendues en pointe ou fendant l'air.

La nature morte. Les compositions de Sanna Kannisto relèvent de la tradition de la nature morte dans la peinture du XVIIe siècle. Dans "Echo acoustic flowers", le feuillage de la forêt tropicale est organisé en entité plastique. Les mots de Charles Sterling, quant à la nature morte, prennent ici tout leur sens : Sanna Kannisto "(impose) son émotion poétique devant la beauté qu'(elle) a entrevue dans ces objets et leur assemblage".

Entre réalité et fiction. L'univers de la photographe assume un paradoxe ; il parvient à concilier ultra-réalisme et magie. Dans "Nocturnal visitor", la noirceur capte le regard pour révéler ensuite la mise en scène. Saisie en vol, la chauve-souris apparaît pourtant figée. Etrange fascination. Le surréalisme n'est pas loin...
A toi de voir...

NB : finalement, j'abandonne. Le golfe de Botnie et Leo n'ont pu faire le poids face à mon pull bio déformé au premier lavage et mes hésitations devant le tri sélectif (impossible de me souvenir si l'emballage de mes corn-flakes doit finir dans la poubelle bleue ou la poubelle verte). La semaine prochaine, je retrouve donc avec délectation mon bonheur citadin : la douce odeur de la pollution et la beauté des façades graffées.

Photos courtoisie Galerie La Ferronnerie

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Exposition "Etrange fascination"
Du 17/04/08 au 31/05/08
Galerie la Ferronnerie
40 rue de la Folie-Méricourt
75011 Paris
http://www.galerielaferronnerie.fr/

Voir ou être vu ?

2008-04-06T15:21:00.043+02:00

ETRE VU

A voir en écoutant : Eight Dayz - What’s So Strange About Me

"Rue Quincampoix, n°44. Galerie du jour agnès b. Exposition "Des jeunes gens mödernes - Post Punk, Cold Wave et Culture Novö en France - 1978-1983".
Sur l'asphalte parisien, une foule jeans slims et blousons de cuir est amassée.
Ecrasante cohue dans l'arrière-cour.

A l'intérieur, les époques se mêlent : un hasardeux rock critic, falacieux vétéran des 80's, titube ; de délicates aficionadas du Baron découvrent enfin les sources underground de leur branchitude ; deux réchappés des excès de l'époque regardent les photographies exposées, se souvenant qu'ils ne se souviennent de rien ; un journaliste interviewe fébrilement le dandy pop, hybride entre David Bowie et Bryan Ferry.

Tumulte et tourbillon. Les mondaines bises claquent, les intéressés échanges de cartes s'orchestrent et les inconnus anonymes frétillent d'y être.
Il fait chaud, très chaud ; où est la Cold Wave ?"

Merci à Patrick Eudeline (sic) et Alain Pacadis.

VOIR

A voir en écoutant : The Organ - Memorize The City

Rue Quincampoix, n°44. Galerie du jour agnès b. Exposition "Des jeunes gens mödernes - Post Punk, Cold Wave et Culture Novö en France - 1978-1983".
Tel est pris... Je me rends à ce vernissage, fort de mes préjugés quant aux capiteux parisianistes parisiens, persuadé que je trouverai là une occasion de me gausser face aux représentations undergroundo-nihilistes d'une époque trash.
Il est vrai que certaines oeuvres, ne créant pas la surprise, provoquent un haussement d'épaules : cette peinture à l'ultra-réalisme d'un inconnu au rire forcé sur fond de carrelage bleu-salle de bain éclairé au néon ou encore cet Elvis coiffé d'une casquette Mao, véritable cliché pop éculé.
Néanmoins, faisant se taire ma mauvaise foi, je te l'avoue et me confesse : je me laisse happer par l'abondance et l'éclectisme des oeuvres exposées.
Je retrouve l'imagerie culte de Pierre et Gilles dans leur portrait d'Etienne Daho et redécouvre leur humour à travers "Fashion murder" (1976) et ses mannequins aux dents ultra-brite posant devant une arme s'étant substituée à l'habituel objectif de l'appareil-photo.

Je retrouve les polaroïds de Maripol et un souvenir ému m'étreint face aux icônes de mes années 80, Sade, les Rita Mitsouko et Grace Jones.

Je retrouve les photographies de Pierre-René Worms et suis saisi par l'esthétique 50's de celle de Pauline Laffont en Marilyn Monroe du Palace (1983).

Je retrouve le photoréalisme de Nina Childress et m'amuse de ses caricatures : le canapé à franges bleues, la moquette bouclée, les motifs orange-marron tantôt papier-peint, tantôt vêtement à repasser et le chalet suisse accroché au mur du salon.

Je découvre Pieter Schoolwerth au graphisme baconien et confronte le Philippe Pascal du Marquis de Sade portraituré par Pieter dans "Dantzig twist" en 1981 au doux et discret Philippe Pascal d'aujourd'hui.

Je découvre Jacques Floret et ses "50 mamans" (2008). J'apprécie la multiplication de ces portraits de femmes inscrites dans des scènes de la vie quotidienne et tracées au stylo bille : le torchon à la main, jardinières, assises sur le canapé ou au bord du lit, occupées à tricoter, ses mères s'affichent, timorées ou poseuses.

Je découvre une étrange projection vidéo, où surgissent un homme en maillot de bain sur la lune, un autre qui joue de la batterie à l'aide d'un concombre et une femme en jupe rose escaladant un mur grillagé (!).

Je choisis donc : plutôt que rendez-vous de la hype, je vis ce vernissage comme une plongée dans l'univers des "jeunes gens mödernes" à travers leurs figures emblématiques : Edwige, Alain Pacadis, Elli et Jacno, Daniel Darc, ... au Palace ou à l'Elysée Matignon.
Fascinante, cette époque où décadence, rock, art, cynisme et autre nihilisme se mêlaient dans une sincère spontanéité ; saisissante, l'empreinte de ces "jeunes gens mödernes" sur les attitudes, pourtant marketées et calibrées, de nos jeunes gens modernes.

A toi de voir...

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin... et Agnès b.

Exposition "Des jeunes gens mödernes - Post Punk, Cold Wave et Culture Novö en France - 1978-1983".
Du 03/04/08 au 17/05/2008
Galerie du jour agnès b
44 rue Quincampoix
75004 Paris
http://www.galeriedujour.com/

De la nécessité d'improviser

2008-03-30T20:50:00.026+02:00

A voir en écoutant : Ghostface and Jadakiss - Run (Ratatat remix)

Cher lecteur,

comme toute relation intense, la nôtre a parfois un goût d'addiction. Tu connais mon enthousiasme hebdomadaire à t'écrire et je connais ton avide impatience à me lire -même si ta fière timidité en ce début de relation te freine pour me l'avouer-. Pourtant, j'ai cru ne pas pouvoir t'écrire cette semaine.

Comme à mon habitude, j'ai choisi un vernissage pour te faire partager mon regard d'oeil naïf. J'accède à une galerie située rue Quincampoix. Mon regard fait le tour de la galerie et je m'interroge rapidement : où sont exposées les oeuvres ? Plus attentif, je m'aperçois que l'une d'elle me fait face. Le jeu de piste commence alors ; je pars à la recherche des autres. J'en trouve quatre et réussis à en dresser un portrait-robot : de minuscules cartes postales en noir et blanc (à moins que ce ne soit des photographies tirées d'un manuel scolaire d'Oettingen de l'année 1953-1954) présentant des paysages forestiers et montagneux allemands sur lesquels des traits argentés aux formes géométriques sont tracés (!). Fin limier, je parviens à trouver la dernière pépite coincée entre un poteau et le buffet dressé à l'occasion du vernissage (en cas de rupture de petits fours, pas de panique, la porte de la cuisine est grande ouverte). Un choix cornélien s'impose alors : s'effondrer d'exaspération ou sombrer dans une tordante hilarité. J'opte pour la dernière solution et suis les recommandations de Ghostface et Jadakiss : RUN !!!! Dans ma fuite, mon regard se pose une dernière fois sur les murs et je m'aperçois que le papier-peint n'est pas très catholique : le revêtement mural est peut-être une oeuvre ?! Bien que j'en aperçoive deux morceaux enfermés dans un cadre, je décide aussitôt d'ignorer la réponse.

Tu comprends à présent mes inquiétudes : de quoi allais-je bien pouvoir te parler ?

Heureusement, je me suis souvenu que j'avais été John Coltrane dans une précédente vie. J'ai retrouvé mon sens de l'impro en visitant une autre galerie de la rue Quincampoix, la Galerie Issue et l'exposition "Use of a fake ID is a crime" d'Axel Sanson.
Outre que ce lieu me soit apparu comme une véritable bouée de sauvetage, il est polymorphe : galerie, café, atelier, studio.

Concernant la première série de dessins, "Bicycle Gangs", Axel Sanson a travaillé à partir de photographies issues du livre de Sherryl Dunn : "Bicycle gangs of New York". Si tu es un(e) Colette-maniaque, cela te parle car ce concept-store hypeux, s'il en est, avait déjà présenté des ouvrages sur les communautés de bicycle gangs créant un hasardeux engouement parisien pour les vélos de poursuite, dont l'utilité est certaine pour le coursier de Manhattan mais sujette à interrogations pour le néo-écolo parisien. Sketchs pris sur le vif, les dessins retranscrivent les codes des bicycle gangs. Sous les traits d'Axel Sanson, apparaissent attitudes, postures et règles vestimentaires. Bien que le traitement soit différent, j'ai retrouvé l'identique importance de la photographie dans les travaux de Gökce Celikel et d'Axel Sanson. Tous deux utilisent des photographies, personnelles pour l'une, trouvées pour l'autre, et cette source est manifeste dans les "retranscriptions" qu'ils nous proposent.

Davantage encore que la série "Bicycle Gangs", la série des dessins "Far East" a retenu mon attention. Contrairement aux colorés riders lookés, les cow-boys sont tracés en noir et blanc.
Cependant, le contraste ne s'arrête pas là. Alors que les membres des bicycle gangs sont inscrits dans le mouvement et le contemporain, les cow-boys sont démodés. Concentrés sur leurs inattendus instruments de musique parsemés de touches de couleur et avec leur air "en-dedans", ils semblent protégés du tumulte. Et ça fait du bien...

A toi de voir... vite car le décrochage a lieu jeudi 3 avril.

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Exposition "Use of a fake ID is a crime" d'Alex Sanson, à découvrir également quelques peintures de l'artiste
du 05/03/08 au 03/04/08
Galerie Issue
38 rue Quincampoix
75004 Paris
www.lissue.com

Le remède au bling-bling

2008-03-17T18:01:00.025+01:00

A voir en écoutant : CocoRosie - Promise

Cher lecteur,

cela fait maintenant quelques petites semaines que nous nous fréquentons. Je pense qu'il est désormais temps que je me livre et que je partage avec toi irritations, agacements et autres exaspérations (notre relation deviendrait-elle cathartique ?). Au menu de cette semaine, je ne supporte plus tout ce blabla autour du bling-bling. Le mot seul suffit à provoquer en moi des réactions convulsives et spasmodiques, dignes du plus grand bling-blingophobe que je suis.
Et pourtant.... En découvrant les oeuvres de Gökce Celikel dans "Exposed" à la Galerie e.l Bannwarth, j'ai pu constater que la vue de bagues-qui-brillent et de montres-qui-clinquent n'a pas généré les habituelles crises d'hystérie.
Bien sûr, Gökce Celikel n'est pas la dernière à se fendre de narcissisme. Elle reproduit dans ses toiles peintes à l'huile des autoportraits photographiques, façon journal intime adolescent à la mode expressionniste. Il faut voir "Electro Flashy Orange" et "Rainbow Candy" dans lesquelles elle se peint tenant une sucette, attitude mi-effrontée mi-joueuse.

Bien sûr, Gökce Celikel distille dans ses peintures des accessoires vénérés par ceux qui font de l'ostentation une raison d'être. ô la belle grosse montre que l'on devine dans "Autoportrait avec sa montre", ô le gros beau diamant qu'elle croque dans "Diamond Crunches".
Comment expliquer alors que ce déballage ne me révulse pas ?
D'abord, l'ironie. Gökce Celikel semble ne pas se prendre au sérieux et cela rassure. Sous le vernis du glamour (toutes ces bouches peintes de rouge), je vois poindre un subtil jeu de séduction-manipulation arrosée de malignité bénigne.
Ensuite, le travail sur les matières. Outre le tissu soyeux du sac dans "Ellen & G, crossed eyes", j'aime le réaliste teint mat outrancier du visage de "Diamond Cruncher".
Enfin, le cadrage. "Rainbow Candy" illustre parfaitement le talent de Gökce Celikel à restituer dans ses toiles au grand format le cadrage particulier des photographies qu'elle prend à bout de bras. La contre-plongée est accentuée par la densité des couleurs choisies en arrière-plan de ses portraits sur-dimensionnés.
Mais voilà, l'exposition "Exposed" s'est achevée le 18 mars. Pourquoi t'en parler alors ? Parce que tu retrouveras forcément Gökce Celikel dans d'autres manifestations. Parce que le programme à venir de la toute nouvelle Galerie e.l Bannwarth (4 semaines à peine) mérite le détour. Enfin, parce qu'avant ou après avoir découvert les artistes contemporains exposés dans ce lieu dissimulé au fond d'une cour, tu profiteras de la terrasse du café situé au coin de la rue Julien Lacroix (je t'en conjure, n'ébruite pas cette adresse, les terrasses comme celle-là sont bien trop rares).
A toi de voir...

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Gökce Celikel
www.gokcecelikel.com

Galerie e.l Bannwarth
68 rue Julien Lacroix
75020 Paris
www.galeriebannwarth.com

De la couleur dans les giboulées

2008-03-12T23:00:00.035+01:00

A voir en écoutant : MGMT - Electric Feel

Cher lecteur,

résidant dans un périmètre délimité par Sangate ... au Nord, le Boulou au Sud, Hirsingue à l'Est et Port-Joinville à l'Ouest, je subis comme toi la mauvaise et lunatique humeur de notre météo.

Décidé à ne pas échouer comme certains, j'ai trouvé le remède pour traverser les giboulées en n'ayant même pas mal au moral : l'exposition "Overflow" de Griffin 1976 à la Galerie Nadine et Tom Verdier.

Je te prescris donc cette visite pour plusieurs raisons.
1. Griffin 1976 himself et sa technique unique.
Outre qu'il soit affable, Griffin 1976 a la particularité d'aimer les mots en "iste". De juriste, Griffin est devenu artiste. Néanmoins, il a conservé quelques séquelles de sa précédente activité professionnelle : c'est un obsédé du Powerpoint. Aussi surprenant que cela puisse paraître à l'observation des oeuvres, celles-ci sont effectuées à partir du logiciel que tu maîtrises parfaitement pour la présentation des targets de ton équipe ou le nouveau Marketing Plan décidé par ton acariâtre boss. Griffin 1976, lui, l'utilise pour réaliser des oeuvres atypiques, où foisonnent éléments graphiques, personnages, symboles et alphabets.

2. Une saturation étudiée.
Griffin 1976, jeune homme de 32 ans (je ne t'ai pas dit qu'il est né en 1976 ?), a été élevé à la pub, à la BD et aux images déversées en continu par les medias. Il ne conteste pas le déferlement de ces informations (c'est son choix...). Au contraire, il les intègre dans ses oeuvres par une superposition orchestrée où le premier impact visuel est communiqué par la couleur.
3. Un jeu de piste.
Tu peux t'adonner au ludisme en tentant de retrouver, plus ou moins dissimulés dans les toiles, certains personnages de la mythologie (au fait, je ne t'ai pas dit que Griffin vient de griffon?), des peintures de la Renaissance (parjure ?), des zeppelins et autres objets volants, super-héros compris. Mieux encore, tu pars à la recherche du temps, non pas perdu, mais accéléré où des éléments se retrouvent d'une toile à l'autre, transformés ou non.
Maintenant...à toi de voir....

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Exposition "Overflow" de Griffin 1976
du 05/03/2008 au 05/04/2008
Galerie Nadine et Tom Verdier
3 rue Saint-Claude
75003 Paris
www.galerieverdier.com

Que photographie un photographié ?

2008-03-09T23:24:00.041+01:00

A voir en écoutant : Ariel Pink - For Kate I Wait

La question m'obsède en me rendant au vernissage de la Galerie Bailly Contemporain pour les expositions "Réflecteur", galerie côté Cour, et "Hérésie", galerie côté Quai.
Le principe : des mannequins, habitués aux crépitements des flashs, passent derrière l'objectif.
A quoi m'attends-je ? des photographies trop glamour ou trop luxueusement trash et des poses trop faussement alanguies.
Point de tout cela malgré, côté Quai, des photographies prises dans un haut lieu trendy, revival quelque peu factice du Palace des 80's, sauce trash-rock-à-la-Larry-Clark en couleur ; malgré, Côté Cour, des photographies à l'impeccable graphisme noir et blanc, saveur Vogue de luxe -c'est dire-.
Point de tout cela, disais-je. Ce qui me frappe, c'est l'éclectisme des regards de ces modèles devenus photographes.
Mais reprenons chacune des expositions en détail.

"Hérésie" propose les oeuvres de trois artistes où désordre, débordement de plaisir et décadence -peut-on encore être décadent aujourd'hui ?- sont mêlés. L'une, Stéphanie Bailly, donne à partager son voyeurisme ; l'autre, Jérémy Barrois, suggère une prise sur le vif dans des photographies pourtant librement posées. La noirceur colorée des oeuvres -oxymore justifié dans ce cas de figure, je t'assure- est exacerbée par l'espace restreint de l'exposition. Enfin le troisième, Christian Fournier, explore l'art qui filme l'art en projetant un film de 6 minutes révélant les photographes à l'oeuvre. Ma paranoïa trouve là une occasion de se répandre puisque cette oeuvre me renvoie à l'omniprésence des caméras de surveillance... Brrr....

"Réflecteur" met à mal mon sens de la synthèse. Je m'amuse d'abord, m'échine ensuite, à trouver une relation entre les oeuvres de ces douze photographes ; ma conclusion est sans appel : aucun syncrétisme n'est possible. Diversité des sujets, des formats et des techniques. Tu pourras à loisir effectuer ta gymnastique faciale tant l'exposition est l'endroit idéal pour travailler tes expressions visagistiques (sic). Je peux en témoigner. Je ris devant la série de portraits de Barbara d'Alessandri (reconnaitras-tu le rire d'A.C. ?). Je suis fasciné par la démesure du corps de "Lisa" photographié par Stéphanie Bailly. Je suis intrigué par le caractère insolite de la grenouille de Christina Kruse, mélange d'image publicitaire -au premier plan, le produit vanté- et de loufoquerie -imagine, une grenouille dans un bocal, des nattes et des taches de rousseur-. Enfin, Jacques Tati s'étant réincarné en ma personne, je suis hypnotisé par le graphisme des oeuvres de Gaspar Dietrich.

Concluons par l'enigmatique "beauté des laids" de Serge Gainsbourg, en revenant à l'entrée de l'exposition avec ces deux photographies vers lesquelles je retourne à plusieurs reprises sans pouvoir me l'expliquer. Qu'en penseras-tu ?
A toi de voir...

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.

Expositions "Réflecteur" et "Hérésie"
du 29/02/2008 au 29/03/2008
Galerie Bailly Contemporain
25 Quai Voltaire
75007 Paris, à redécouvrir également les oeuvres de Lee Miller et de Milan Vukmirovic
www.galeriebaillycontemporain.com

Qui est in, qui est out

2008-03-02T01:04:00.030+01:00

A lire en écoutant : Serge Gainsbourg - Qui Est In, Qui Est Out

Cher lecteur,

alors que notre relation débute à peine, je me vois dans l'immédiate obligation de nous éviter tout malentendu afin de garantir à notre couple harmonie et durabilité (je te le rappelle, 1 divorce sur 3 mariages en province et 2 sur 3 en région parisienne, faute de préalable mise au point). Alors, sache-le : la question "Qui est in, qui est out" ne sera pas posée ici. Pire encore, elle sera bannie, proscrite, honnie et interdite.

Les tendances, mon oeil, il les ignore, au sens propre et au sens figuré. Naïf, il se ballade de vernissages en expositions. Sans préjugé, sans posture. Ami de Max, il considère que "l'art est un jeu d'enfant" et appréhende avec ses sens ce qui lui est donné à voir.
Pour tout te dire (nous formons un couple maintenant, alors point de cachotteries), mon oeil est animé par une envie de meurtre : le meurtre d'un accent circonflexe. Mais pas de n'importe quel accent circonflexe ; sa victime est ciblée. Il s'agit de l'accent circonflexe dont se dote le mot Art lorsque nous le prononçons : "âââârt" ! Et voilà que nous sommes au coeur du propos de ce blog : vivre autrement notre rapport à l'art et aux artistes. Le partage étant l'une des clés de la réussite d'un couple, partageons notre plaisir : à travers mon oeil naïf et mon regard averti (tu l'apprendras au fil de nos rendez-vous, je suis un être paradoxal mais suis-je le seul ?), à moi, le plaisir de te communiquer mon envie d'aborder l'art sans complexe et avec délectation ; à toi, celui de découvrir les oeuvres d'artistes contemporains qui te raviront ou pas, qui te surprendront ou pas, qui t'agaceront ou pas. A toi de voir....

Merci à Alain Rémond et Jérôme Garcin.